Boards of Canada - Tomorrow's Harvest (2013)

Tras una inteligente e invasiva campaña publicitaria y mensajes y códigos encriptados, toda una  previa para campear el terreno del tan esperado retorno del dúo escocés, que en menos de 2 meses ha conseguido adeptos y fieles a su línea discográfica. Boards of Canada, el pasado 10 de Junio ha lanzado oficialmente y finalmente al mercado su nueva placa. Tomorrow’s Harvest no es más que una joya bien pulida de entre la discografía completa, es un bello y sombrío atardecer apocalíptico, un verano en el Antártida. Aunque muchos de los que esperaban con ansias esta nueva entrega, no fue del todo satisfecha, por la intriga previamente impuesta, esperaban algo que se asemeje al indiscutible The Campfire Headphase. A pesar que la comunidad parecía ser muy “selectiva” y casi perdida de entre los amantes del ambient, de pronto explosionó con un sinfín de fanáticos que han seguido el rastro al dúo. Muchos de estos nuevos fans se han ido alimentando del casi histórico Music Has the Right to Children, el cual es, la columna vertebral de la banda. Lo cierto es que, si una banda desaparece 8 años, lo más lógico es que en ese transcurso de tiempo, consiga muchos seguidores, que más gente escuché las primitivas creaciones de inicios de los noventas colgadas en la red, cassettes borrosos como A Few Old Tunes Vol I y II o el Boc Máxima. Sólo para que quede claro, ha habido muchos seguidores que esperaban beats más rápidos, la electrónica incansable, samplers de niños o grabaciones de programas de los años 70’s (ok, sí, In A Beautiful Place Out In The Country es parte de la configuración del imaginario pues) y no fue esa la idea de este nuevo disco. Ante los medios, Boards of Canada han declarado que durante el transcurso de su desaparición, se han dedicado a viajar, explorar nuevos territorios, trabajar con otras bandas en su casa Warp Records, recolectar más historias y llenarse de más experiencia sonora. Durante este lapso de tiempo, cabe decir que, la madurez que han conseguido con Tomorrow’s Harvest es muy evidenciable, puesto que ellos mismos han reconfigurado un concepto que tenían pensado dos años atrás antes de encerrarse en el estudio de grabación y ponerse a trabajar en esta impecable cosecha. Si bien es cierto, existen elementos sonoros que sabemos claramente que los identifica, sintetizadores, artefactos antiguos que solamente ellos saben ejecutar casi de manera minuciosa y matemática, así fue como nació Geogaddi y fue toda una revolución dentro de la música en el 2006, por ser una dicotomía entre un sueño placentero o una pesadilla inevitablemente hermosa. En definitiva, Tomorrow’s Harvest, es toda una atmósfera claustrofóbica no conceptual y no pretendía parecerse en lo anterior. El primer single que lanzaron en una pantalla del centro financiero de Tokyo, fue Reach For The Dead, siendo ésta la canción que los empodera como el retorno inevitable: viajes a través de una nave que flota entre pueblos vacíos, la búsqueda de la nada y la belleza del todo. De entre las más comentadas está Telepath, una alegoría a Blade Runner y los samplers que nos remontan a la enigmática “Gyroscope” (Geogaddi). Debo admitir que Cold Earth es una de las que me sobresaltó y me transfiguró la piel, es la esencia definitiva de ellos, la delicada construcción de esta pista es singularmente distinta, te adentra a un infierno helado, pero que gozas y disfrutas de él. Es necesario también resaltar los interludios como es el caso de Transmisiones Ferox, que irradia un hermoso caos dentro una deconstrucción casi onírica, ese sampler radial hace de la pieza toda una obra del arte electrónico. Palace Posy tiene una arquitectura mucho más artesanal, que nos remonta lo primigenio de la electrónica y el synth, sin embargo, el inminente estallido es al término de ésta, y nos dice que, a pesar de la inevitable madurez que implica la ruta, Boards of Canada no ha perdido la esencia. Nothing is real, es como una versión revisitada de Roygbiv, a manera de catástrofe sonora, nos dice que nada es real, que todo es un dulce o amargo sueño, y que en cualquier momento, vamos a despertar. El inicio de Sundown, pensé por un momento que se trataba de Corsair, inevitable track del Geogaddi, pero es un vacío hermoso, una mirada hacia el horizonte baldío a las 5 de la mañana. Para cerrar el disco, se encuentran dos ejemplares tracks, casi concatenados y con mucha coherencia: New Seeds y Come to Dust, que en definitiva, nos visualiza la esencia de Tomorrow’s Harvest y lo que Boards of Canada nos ha querido decir con esta nueva placa en el 2013: una oda al vacío, al no concepto, a la destrucción inevitablemente apocalíptica por las masas, a la insensibilidad y al egoísmo, a la nada. El sentimiento que abarca este disco, es sombrío, impenetrable, intenso y con mucha carga pesimista. Para los nuevos seguidores que recién han descubierto la trayectoria de Boards of Canada, se han podido deleitar con un género que cada vez se reinventa y muta en nuevos territorios, y que para el dúo, no es más que un escalón más en el re-descubrimiento de su esencia, de su razón de ser, de su proyecto sonoro en esta violenta carrera que es el mercado musical y la vida en sí.

Aphex Twin - Selected Ambient Works Volume II (1994)

Un viaje inhóspito. Los ruidos de Irlanda se vuelven enternecedores y a la vez sepulcrales, como el poder de las olas, su vaivén apacible, sus caóticos y violentos movimientos que rompen contra las piedras, un sendero ambivalente. Así.

Richard D. James, mejor conocido por su proyecto en Aphex Twin, no se ha quedado atorado con el cliché de Windowlicker y el horroroso rostro que trasluce entre su corta videología, en esta oportunidad, uno de los pioneros en la electrónica –sin dejar de mencionar a Brian Eno y los póstumos Boards of Canada como los que le dieron la vuelta al escenario del ambient- se sale de sus casillas ruidosas para adentrarse entre el hemisferio flotante de los campos elíseos y las cavernas infernales subterráneas. Cabe decir, que el explorar otros territorios de la música dentro del género del ambient, nos llevan a descubrir nuevas sintonías con el carácter de lenguaje del sonido, es decir, nuevas nociones de lo que nos habla el género, como es imaginarnos escenarios equis con tal o cual canción que es, al fin y al cabo, el objetivo final de toda sónica. Tal como sucede con este  disco doble, cada pista nos va hilvanando una historia sideral casi surreal, totalmente inimaginable. “Selected Ambient Works Vol II” fue lanzado en 1994, a manera de experimentación, se ha convertido con el pasar de los años, en toda una obra maestra del ambient y la electrónica. Te ubica en un espacio desconocido, atiborrado de loops, incansables y resonantes beats que te llenan la mente de escenarios irreconocibles que lindan con lo onírico, lo dramático y lo incógnito. En esta entrega, el disco 1 abre con Cliffs, la apertura perfecta para ponernos en sintonía con lo que vendrá después, es como sentarse en la butaca del cinerama, acomodarse para prepararnos y ver una película densa, intrínseca y cargada de elementos flotantes a por doquier. Las voces se entremezclan con un nivel de complejidad inteligente, sutiles momentos, como aterradores espasmos. Rhubarb es la banda sonora perfecta de la asunción hacía el más allá, una armonía de sintetizadores con una locución entre celestial y deprimente nos desdibujan una puesta de sol casi infernal. Mold es una ambigüedad constante, un contexto deprimente, voces que se mezclan y pierden con el avanzar de los minutos. Blur, nos aproxima a una fábrica abandonada en donde sólo se escucha el incasable goteo de una tubería malograda. Lo trasgresor de este trabajo, es que cada imagen coincide con la pista y da una idea general sobre el estado de ánimo de la canción. El thriller psicológico en cada una de las canciones.

Este es uno de los mayores logros de Aphex Twin, dando a luz hermosos sonidos aterradores. Pero también uno con un lado suave, en donde sólo algunas piezas nos inundan de placidez. D. James crea pistas de manera singular, como un libro o una película, un álbum que es probablemente una de las mayores experiencias ambientales tiene la memoria de la música. Un álbum cargado de miedo, nerviosismo, y, a veces, pura alegría. Largas pistas, cortas experiencias, pero dejando en claro la zona de peligro para contemplar el espacio. Eso no es tan malo, sin embargo, ya que es para lo que fue diseñado. Si usted trata de prestar demasiada atención a lo que pasa en este disco, puede fácilmente aburrirse. Eso es comprensible, ya que hay alrededor de 150 minutos por valor de material aquí, así que distribuya el tiempo más que en racionalizar cada ruido, sentirlo e imaginar cada atmósfera posible. Tome un poco por sesión, o flotar a la vez. Póngase cómodo, leer un buen libro, y tratar de no llamar a mamá.

Neon Indian - Era Extraña (2011)

Aunque a nadie le guste que su trabajo sea generalizado sobre una etiqueta pegada, resulta inevitable. Con los lanzamientos de este año, que alimenta al ahora muy sólido Chillwave son Toro y Moi y Washed Out, que se vislumbran no desaparecer en un corto plazo. Alan Palomo, fundador de Neon Indian, cuyo diáfano debut en el 2009 con Psychic Chasms, fue una pieza clave para etiquetar aún más al sub-genero, considerado uno de los puntos más altos del mismo. Palomo colaboró ​​con Chris Taylor de Grizzly Bear para un brillante único single llamado "Sleep Paralysist" y, a principios de este año, sacar un sólido EP con raros atisbos psych-pop de The Flaming Lips. Ambos trabajos predecían poco a poco lo nuevo que se veía venir de Neon Indian.

No debería ser una sorpresa que Era Extraña sea un registro tan bueno como su predecesor Psychic Chasms, eclipsándolo incluso que de vez en cuando. En gran medida, esta segunda entrega es una llamarada a lo que el synth-chill-pop podría catapultar como una obra de arte única. La apertura de un burbujeo en marcha de sintetizadores melancólicos, chispazos Super Nintendo a lo Crystal Castles como referente inmediato. Explosiones inminentes con "Polish Girl," una maravilla pegajosa que reúne muchas influencias en un solo track y que de seguro una de las mejores a fin de año. Podemos encontrar otros brillos como “The Blindside kiss”, “Arcade Blues” o “Future Sick” esa lluvia multicolor de ruidos pop, lo-fi con reminiscencias en Jesus and Mary Chain y una mirada rápida al pop chicloso “caleta” ochentero hecho en garajes y de manera precaria con equipos de segunda. “Suns Irrupt” o un mejunje bailable dentro de un lúgubre escenario, replanteos, reciclajes. Envases futuristas. “Fallout” quizá el lado más denso de la placa, los teclados se derriten. Contradicciones: Una sensación pesimista pero con una proyección muy futurista, que enmarca al disco de manera versátil, condensado y equilibrado, tratando de generar un balance entre lo lúdico, hipnótico y futurista. Este neo-pop-psicodélico, extremadamente desbordante en Era Extraña, a pesar de ser un tanto predecible al inicio, resulta ser un trabajo muy identificable dentro de nuestros acelerados tiempos. Esos brillos cotidianos. Es el fenómeno a la sensación del pop. Inevitable.

Link de descarga inmediata:

http://www.filesonic.pe/file/2028411121#

Big Troubles - Worry (2010)

Big Trobule inicialmente aparece como un acto retro; abre su álbum debut, “Worry”, con "Video Rock", lanzado inminentemente como un signo proclamador de la década de 1990s, con la caída del nombre VHS y las guitarras de cuatro pistas grabadas con imposibles decibeles. Los oradores del sonido lo-fi le dan una estética que llame la atención y les empuja cerca de sus antepasados, dándole a la guitarra una intensidad y una calidez que recuerda momentos más ruidosos dentro del shoegaze y el pre-noise. El guiño más evidente viene con el tartamudeo del tambor que marca el comienzo de "Video Rock", inclinando su sombrero a los primeros segundos de Loveless. “Feudian Slips” es ese retroceso hacia Medicine o la mágica “Boomerang” una licuadora entre Jesus and Mary Chain y Spectrum que dan ese chasquido armonioso y voces que se derriten.

Al principio, es emocionante perseguir las melodías a través de todos los “ruidos”, pero esto finalmente se convierte en una persecución agotadora. La producción descarada tiende a mantener al álbum una sola dimensión sonora, y hace que el registro sea seductor en un primer momento y luego se convierte en una dulce encrucijada. Inmersos un entorno arenoso, la composición podría brillar aún más, sin embargo, esta frustración persistente no ayuda por la secuencia anticipada que se basa un impulso fuerte sólo para el registro de caer bajo su propio peso, ya que se arrastra en la segunda mitad.La portada “Worry” muestra una variedad de muebles y aparatos electrónicos en ruinas. Big Trobules cuida en emitir las vibraciones separadas, intenta en acoplar ruidos de diversa índole, espacio, momento, es ahí en donde el desorden visual se transforma en un orden sonoro sumamente efectivo.

Link de descarga directa:

http://www.mediafire.com/?ou8jremmrlps768

Ducktails - Ducktails III: Arcade Dynamics (2011)

Mejor conocido por su trabajo con Real Estate, Matthew Mondanile aka Ducktails, silenciosamente ha lanzado un lote de proyectos de dormitorio que perfectamente coexisten con el cuarteto Jersey pop, mucho más atractivo y melódico que de costumbre. Mondaline cautelosamente nos invita con un aroma penetrante y viva acidez con este trabajo titulado Ducktails III Arcade Dynamics, en donde la mayoría de las canciones suenan un tanto desalentadoras, inducidas por fármacos tranquilizantes, describen grietas en las paredes, permitiendo que algunas manchas solares acaricien los oscuros rincones de las lóbregas paredes de una habitación.

Escuchar Arcade Dynamics, es como entender proyectos en solitario como Panda Bear: Un registro individual de una banda con un solo hombre lo suficientemente fuerte como para competir; un cuerpo completamente desarrollado de trabajo. Muchos artistas, incluso a sí mismo Mondaline, lo han logrado en el pasado, simplemente siguiendo sus instintos. El disco es mucho más auto-suficiente que su homónimo anterior que fue catalogado como denso y pretencioso, este es mucho más elaborado en amplias gamas y formas.

Claro está que Ducktails intenta desarrollar un sonido con un amplio alcance, sin embargo, la fibra moral se pierde, lo que resulta una serie de ganchos agradables que afinan la etiqueta psicodélica de lo no convencional. Killin’ the Vibe y Sunset Liner dibujan una configuración familiar: su voz haciendo eco de la fluencia de la guitarra bañada por el sol, como imaginando muchachos contorneados corriendo uno tras otro, inmersos en el fulgor de la playa. Arcade Shift y Art Vandelay como joyas cálidas de sótano, se evidencia ese romanticismo abarrotado por rechazos de secundaria, intransigencias adolescentes que le dicen.

Un disco contradictorio, romántico y con muchos vacíos emocionales. Es menester desmayarse con él.

Link de descarga: http://www.mediafire.com/?a921iac2wfjavc2

John Maus - Love Is Real (2008)

La inquietante noción del tiempo resulta atemporal cuando escuchas a John Maus, un pop ambivalente, lleno de altibajos, con imposibles brillos y escenarios oscuros. Las reminiscencias se hacen notar: un pop ochentero sintetizado, con una voz grave que se pierde hasta el unísono, teclados a lo Devo y mucha política entremezclada entre sus letras.

La segunda producción de John Maus “Love Is Real” es todo un viaje apocalíptico por las calles de nuestra ciudad. La profunda nostalgia del hogar, recovecos del corazón humano. Se trata de un mapa de auto-descubrimiento de rechazo, y el escapismo capturado a través de 14 canciones de música pop melancólico barroco. De un estilo similar a su debut en el 2006 "Songs", el álbum es una mezcla de exploración, sintetizador de teatro con tensión nerviosa y las líneas de bajo insistente, clic constante en la caja de ritmos.

Sin lugar a duda, la placa de Maus es un esfuerzo más reflexivo. Un álbum de contrastes, de la oscuridad, la familiaridad y la luz. Momentos de intensa ansiedad discotequera de advertencia contra el pecado de la avaricia: "Too Much Money", se encuentran codo a codo con fugas de virtuoso romanticismo como "Green Bouzard". La yuxtaposición de synth-pop y la flotabilidad de los 80’s. Letras a veces hasta malhumoradas es otro buen ejemplo de esta tensión. Depresión a lo Joy Division, devoción hacia David Bowie, sueños y pesadillas que van y vienen de entre los 14 tracks.

"Love Is Real” es un disco basado en los enfrentamientos de los demonios interiores, buscando a través de la eternidad y encontrar esperanza en la oscuridad de nuetros tiempos de incertidumbre. En pocas palabras, sólo puede ser un álbum de John Maus.

Descárgatelo vía mediafire con

http://www.mediafire.com/?3ytmyr3zzwl

Boards of Canada - A Few Old Tunes (1996)

A Few Old Tunes es un álbum doble recopilatorio de estudio grabado colectivamente como viejas canciones o bocetos, pistas “a prueba” que jamás se publicaron. Siempre se ha rumoreado que estas pistas han sido elaboradas en privado, con familiares y amigos de la banda en algún momento alrededor de 1996. Las copias digitales de A Few Old Tunes se filtraron presuntamente en redes antes de su publicación oficial, a través de la web oficial y descargas gratuitas en blogs y revistas en línea.

La legitimidad de A Few Old Tunes, nunca ha sido confirmada por Boards of Canada o de cualquiera de sus sellos, y no existe controversia alguna de que el álbum podría ser un engaño o el desapego del estilo de la banda. Hay algunos elementos que pueden consolidar la legitimidad de esta grabación: Una breve muestra de la pista "5:9:78" es usado en un comercial de Nissan, dirigida por Chris Cunningham (que a menudo se asocia con la banda y con su sello la deformación). Para cualquier fanático acérrimo en BOC, el disco es, sin pensarlo más de dos o tres veces en adquirirlo, imprescindible. Contiene un sinfín de elementos, voces perdidas, synths clásicos y mucha energía bizarra esparramada.

Descarguen el disco desde: http://www.mediafire.com/?3ozyozmihtn

Boards of Canada - Music Has the Right to Children (1998)

Una vez más caemos en cuenta el sonido anti universal que pretende manejar Boards of Canada en cada producción. Music has the right to Children es la mezcla arbitraria de melodías entre el synth, hip-hop y la electrónica meramente pura, procreada a una sola concepción. Con un sinfín de referencias evidenciadas, como Autechre, Brian Eno o The Orb son los que tienen el mayor alcance al oído.

El disco se creó con la fusión de Twoism y Hi Scores, convirtiéndose en un disco tan bueno, que forma parte de manera inmediata e impecable a un género paralelo de lo ambient, se crea como un “mini-género” en sí mismo y se convierte en taquigrafía para un determinado conjunto de valores. Como es usual, BOC utiliza baterías electrónicas, samplers y una invaluable lluvia de diálogos, así como synths digitales pre programados, que te dan esa sensación del espacio atemporal; un costal de sonidos fusionados, pero estructuralmente bien armados.

El resplandecer de una tarde y la cotidianeidad se unen en “Roygbiv”, el single más destacado de toda la carrera de BOC, una pieza tibia y elegante. “Turquoise Hexagon Sun” una de las obras más antiguas y que mejor describe la esencia y las evoluciones en el sonido de BOC. Un teclado y la delicada voz de un niño(a) que proclaman I love you hacen “The Color of the Fire”, voz hipnotizadora. “Aquarius” quizá sea esta la única canción que no corresponde al álbum, sumamente atemporal, con reminiscencias futuristas y una energía mágica que se desborda en cada parlante que se escuche. “Olson” o esa conexión apaciguadora con el mar y el inicio de un nuevo día. Es, sin lugar a pestañeos, un disco lleno de amaneceres y atardeceres.

Boards of Canada - Geogaddi (2002)

Quizá sea Geogaddi, uno de los discos que más se ha comentado y especulado durante el 2002, por su irreverencia, por su implacable rompimiento en la doctrina en el indie y la electrónica que se posicionaba de manera paulatina, pero que, gracias a este disco, llego cual golpe en la cien, en donde no era muy habitual escuchar fusiones de conversaciones, bruscos beats y loops infinitos hasta el quiebre. Los amantes del eclecticismo sonoro, podrían enmarcarlo como una de las mejores e interesantes propuestas hasta ese momento logrado por el intrépido dúo escocés.

Geogaddi es, sin lugar a duda, un disco muy abierto y hasta universal por su amplia amalgama de texturas. Canciones como “Julie and Candy” que no hace más que dibujarte una lúdica experiencia infantil con sus amenos beats. “The devil is in the details” una mixtura entre un bebé llorando y –al parecer- la voz de una mujer ahogándose que te da esa sensación claustrofóbica. “Dawn chorus” el alba se desenmascara ante un brillante rayo solar que entra por la rendija, emociones a flor de piel, ejemplar acústica y un gran manejo en la edición de las voces que se entremezclan entre si. “1969” o quizá la mejor canción lograda en el disco (y probablemente en toda su carrera) te da esa idea de una invasión de robots y cyborgs, el ciberespacio como tema eje. “The beach at the redpoint” podría caerle bien como banda sonora de alguna película de terror o de seres mitológicos escondidos bajo el mar. “Gyroscope” o como ese loop infinito, puede llegar a aturdirte y enviciarte hasta el derrame cerebral. En teoría podemos decir que el disco es avalancha de emociones encontradas, lleno de ásperas sensaciones como cálidas y melancólicas experiencias convulsionadas. El arte de Boards of Canada no tiene límites.

Si se quieren bajar el disco directamente desde Mediafire, lo pueden hacer desde:

http://www.mediafire.com/?lnujljk299o

Boards of Canada - The Campfire Headphase (2005)

Una vez más caigo en la respuesta en cómo la invención de la música se basa en la inmediatez de generar sensaciones, texturas y viajes intuitivos, masoquismos espectrales sonoros y, es así que, Boards of Canada encaja perfectamente, puesto que ha sido uno de los proyectos más misteriosos y que ha generado constantemente derrames entre la mal llamada minoría de su público que los considera como una banda de culto del ambient y la electrónica sampleada; logrando así una marca irremplazable en la historia dentro de los parámetros de la composición conceptual.

The Campfire Headphase ha calado hondo dentro de los oídos de los fanáticos acérrimos que los han seguido desde sus primeros eps y grabaciones inéditas a inicios de los 90’s. La gran mayoría que sigue su música, sabía que a pesar que BOC tiene una línea, digamos, “definida” dentro del género, es casi impredecible lo que venía creación tras creación. El álbum tiene altibajos, variantes. Te describe singulares escenarios vacíos, neutros, sumamente difusos hasta cierto punto. Su estilo marcado, como la fusión de samplear diálogos perdidos fusionándolos con escenarios y pequeños detalles minimalistas cotidianos, con el objetivo de generar olas que vienen y se van. El excelso poder que genera The Campfire Headphase con cada canción, con sutiles melodías, delicados drum and bass y down tempo, peculiares títulos que te dan la idea por qué esas melodías caleidoscópicas pueden representarlas. “Satellite Anthem Icarus” o la avalancha mitológica marítima con finos y somnolientas guitarras, en un espacio nulo y sin personas, genera esa mágica sensación que levitas. “Oscar See Through Red Eye” es un óleo mixto, muchas técnicas, pequeños y grandes sonidos se entremezclan. “'84 Pontiac Dream” representa esa mañana inevitable, tratando de ser esperanzadora, brillos matutinos y apaciguante hasta cierto punto, tanto así es el poder altibajo que tiene puesto que pasa a “Sherbert head” que es uno de esos interludios que más que lados B debería ser el single promocional del disco. Aturdido y de pesadilla, sólo se consigue eso. Lo Campfire es, a manera muy descriptiva, la fogata en donde todos se acercan y tratan de abrigarse y permanecer en paz. Es, la incesante necesidad de conectarse con el paralelo, aquel universo minimalista que inconscientemente añoramos pero que, sin embargo, siempre estará ahí, y nunca nos daremos cuenta.

Si los convencí de bajarse el album, lo pueden hacer directamente desde acá:

http://www.mediafire.com/?cyx1mnymedx

Sea Dweller - Love Is Coming (2009)

Caminando bajo los efectos de Slowdive, Moose y The Telescopes. Esta es el primer lanzamiento con el sello “Shoegazer 2&1”, re-dirigido ahora por el fundador de la famosa Alison records que tuvo bajo su tutela a bandas que emergieron desde lo underground y que ahora son clásicos del nuevo dream-pop-rock contemporáneo, me refiero a bandas como: Malory, Resplandor, Monster Movie y Highspire.

La placa debut de Sea Dweller lo comprende dos capítulos: contiene el ep inédito "Days To Find A Way", que fue previamente relanzando como un interludio, además, de su primer EP "Underwater Town "(publicado anteriormente como una edición limitada de 100 copias numeradas, hechos a mano, con funda de cartón, renovada y remasterizada). En conjunto, "Love Is Coming" es un álbum que reúne diversos signos y señas, atisbos que resultan ser armas blandas de hedonismo innato. Si al escuchar el disco, cual clavado al mar, encontramos guitarras encuadernadas, sintetizadores que se mezclan con las voces que más parecen ecos perdidos y entrelazados a una red incierta. Es evidente la estrecha relación existente entre Sea Dweller junto a sus co-workers de sello, y, no resulta siendo tan entrañable como se pensaba inicialmente, puesto que el disco, cual libro abierto, va de inicio a fin a ritmo in crescendo, como desvarío, en pasajes de ensueño y mucha energía a viva voz; tal cual fue en algún momento Catherine Wheel o Blind Mr. Jones, bandas que podrían asemejarse mucho a este nuevo sonido que cada vez explota con muchas sorpresas durante el camino, camino que no dejamos de mirarlo, con la cabeza gacha.

Caribou - Swim (2010)

Es difícil de clasificar el último álbum de Dan Snaith: “Swim”, ya sea como un paso hacia adelante o hacia atrás de su predecesor aclamado, “Andorra”. Mientras se revolcaban en hermosas melodías pop de los 60’s con aditivos tecnológicos, “Swim” tiene un enfoque más directo en su uso de la electrónica. El nombre del álbum se deriva del deseo de Snaith para dar a sus canciones un “flujo” flexible a menudo no característico de la estructura “dance”; dado que dicho género tienen una reputación de estructuras rígidas y los bucles repetitivos, lo bailable no coincide exactamente con la forma en que el agua fluye de ida y vuelta de manera imprevisible, pero se siente un aura caprichosa suficientemente instantánea. Snaith nunca ha sido ajeno a la ambición, así que verlo frente a un nuevo sonido en Swim no es del todo sorprendente. A pesar de este cambio, sin embargo, el álbum todavía suena claramente como la “esencia” Caribou. Los gemidos de Snaith ayudan a clarificar una vez más esa atmosfera muy identificativa que garantiza la virtud y esencia de la banda. Independientemente del fetiche estilístico que planea explorar la composición, en general, siguen siendo y en la misma temática o estructura de mucho interés.

Snaith, en colaboración con Jeremy Greenspan de Junior Boys, producen Swim que es altamente indicativo en la dirección del álbum, incluso le ha dado a Snaith algunas sugerencias para ajustar su voz a un estilo de la producción más cercano con la electrónica de Junior Boys. Caribou utiliza efectos rítmicos que son algo no convencionales para la electrónica-pop contemporánea, a menudo abandonada en componentes clichés. Swim sigue en esa ideología muy familiarmente reconocida y con la visión única de Snaith, inevitablemente crea algunos resultados muy interesantes. El primer single “Sun”, una lluvia solar en base ritmos reiterativos y caleidoscópicos, genera una incesante ambigüedad entre lo bailable y lo mínimal. Algunos otros temas como "Kaili" o "Bowls" práctica frecuente de efectos vocales con una atmósfera adecuada y efecto redundante con altibajos. Aunque dicen que lo más clásico es “Odessa” es como la entrada formal a lo no formal, puesto que finaliza con ”Jamelia”, una obra maestra para finiquitar un arduo trabajo que convierte cada sentimiento a una amplia amalgama de sensaciones no identificables. Los aspectos electrónicos de la producción en Swim es una aplicación más de acuerdo a su arsenal de instrumentos y estructuras de las canciones. Inevitable.

Brothertiger - (EP) Apache Feathers (2009)

Brothertiger es el alter ego de John Jagos, un estudiante de Ohio que nos regala cinco deliciosas canciones hechas con sintetizadores lo-fi, llenas de melodías relajantes y veraniegas. Su música es perfecta para un día de playa. Cascada de sintetizadores, bases muy ochenteras, guitarras soñadoras que aparecen de pronto. Sus melodías son realmente pegadizas, alguna de sus canciones te aturde y te sorprende de la mejor manera posible, y eso lo hace genuino, sustancial. No sabemos cuál será el futuro de Brothertiger, después de haber lanzado su Ep “Vision Tunnels” junto con algunas colaboraciones que podemos encontrar en la red, regresan con otro mucho más sofisticado, con una propuesta más conceptual y que, Brothertiger, nos demuestra lo que es capaz de hacer.

Más de ensueño glo-fi a partir del estallido veraniego provocado por el chillwave del 2009 es lo que representa la música de Brothertiger. Temas como “Feel” y “Best-Thing Out Of Some-Thing” están repletos de brillantez melódica, tonos y voces confusas, todas empapadas de reverberación. Los productores Bedroom, tales como Hawk, Greene y Jagos son más y más asiduos hoy en día con la tendencia hacia la música electrónica que suena cada vez más lo-fi que hi-fi. El ep “Apache Feathers” es un ejemplo perfecto de este nuevo camino de la música, dondequiera que se encuentre, seguramente se estará escuchando.

Secret Shine - All of the Stars (2008)

En febrero del 2004, después de estar inactivo desde 1996, el sello Clairecords relanzó "After Years" el cual estuvo disponible a la nueva generación, cercana al catálogo de todas las bandas nuevas anteriormente relanzadas en Sarah Records. Después de recibir elogios de la crítica, que le salió cual codazo de alerta para Secret Shine, para así recoger sus pasos olvidados que habían dejado estancados, empezar a hacer música juntos una vez más. La tragedia golpeó a la banda cuando el baterista Tim Morris murió después de un accidente en febrero del 2005; Éste acontecimiento consolidó el camino de la banda para honrar la memoria de Morris. Es así que grabaron Morris, un álbum acústico con ocho pistas bajo el brazo en mayo de 2005. Las ganancias fueron donadas como caridad a la entidad MSF donde trabajaba, y para seguir procreando Secret Shine en el camino que se les venía como brillo desde el jardín.

Probaron las aguas mediante la relanzamiento de dos EPs, “Elemental” (febrero 2006) y “Between Sea and Sky” (octubre 2006) con la impronta inglesa Razorblade. “All of the Stars”, sólo su buen segundo álbum fue lanzado por Clairecords. No podemos evitar el compararlos con My Bloody Valentine y Slowdive, pero aún así, la banda tiene su propia energía shoegazer bajo la vena. Es un aura dreampop en su mejor momento. Destacan la apertura de la pista "Voice of the sea", un poco gangoso "Café Crash" y "Hate You When You Smile ", que suena a veces como si pudiera ser una secuela de la canción más famosa que es "Loveblind". El acontecimiento de Morris que fue evidenciado, ayudó a atar y unirlos más aún a Secret Shine y, que permitió que la banda pueda realmente florecer en medio de un jardín que se tornaba oscuro.

Air Formation - Ends in Light (2005)

“Ends In Light” es el álbum debut de larga duración por la banda de Brighton, Air Formation. Los 4 miembros hasta el momento han lanzado un disco auto-titulado y un mini-álbum en Drive-In Records. “Ends in Light” ha sido lanzado por Claire Records, sello con el cual lanzarán su siguiente álbum “Stay Inside/Feel Everything”. Si te fijas bien en la portada de “Ends in Light "después de haberlo escucharlo, usted encontrará que se crea una relación sumamente estrecha en el arte gráfico/visual y el aura que brinda cada pieza del disco. Una foto de un cielo azul con nubes cremosas y flotantes tiene el mismo espíritu cautivador como el de la música en el álbum.

'Take It Easy' se compone de un temblor de sonidos instrumentales, que dirige a través de la voz como un instrumento esencial en la pista; nunca se puede realmente discernir lo que la letra está dice o, en cualquier otro momento clave de el álbum, y cuando se mantengan en un nivel de igualdad con la elevación, pero aún así, se compone por borrosas melodías. "Other Ways Round 'mantiene fielmente el estilo airoso del resto del álbum. No es de elemento de facilidad en la música, en el que su fuerte sonido se absorbe fácilmente. La música se enfoca a la mitad del álbum a través de 'Still'. La puramente instrumental 'End in Light' cierra el álbum con un notorio eco eléctrico.

"Ends in Light" se puede interpretar, a pesar de su voz, como un álbum de concepto instrumental. La música se quita suavemente al principio, y luego te lleva a kilómetros de distancia; se desliza de un tema a otro. Al final desaparece con el más ligero movimiento. Air Formation ciertamente no podría haber elegido un nombre más expresivo en cuanto a su música.

Cut Copy - Zonoscope (2011)

Durante una cena, filosofé con un amigo acerca de lo último de Cut Copy: Zonoscope; dijo que era éste uno de los mejores discos franceses (en realidad de Australianos) del 2011, una espectacular banda que nos recordaba a Joy Division, que combinaba de manera íntegra, sintetizadores, voces derretidas y con harto ánimo bailable. Zonoscope es un retroceso a 1980, al synth pop con vibras electrónicas postmodernas. Lo bueno conocer a esta banda es que, plantean nuevos sonidos, tomando como base la esencia new wave ochentera, fusionándola con un moderno pop electrónico, considerado muy influenciable el día de hoy en la escena musical. Así que, con Cut Copy, todo está oficialmente en el radar.

La primera sensación al inicio del disco, resulta ser un tanto escéptica, pero de modo que va in crescendo, va transformándose, cual oruga que se convierte en mariposa. En la primera pasada del disco, se evidencian algunas pistas brillantes como "Need You Now" trae de nuevo la bondad estrafalaria de la percusión auxiliar (es decir, más cencerros) con un sonido muy similar a Big Audio Dynamite, “Pharaohs & Pyramids" me remonta hacia una lluvia sintetizadores de los inicios de Depeche Mode siempre y "Corner Of The Sky" cala hondo, toca ese nervio medular a lo Sigue Sigue Sputnik. “Where I’m Going” como canción vivaz, muchas energías se desprenden desde esos gritos con altavoz a lo Devo. “Blink and you’ll miss a revolution” inicia con un ánimo tropical apaciguador y termina siendo una inevitable tormenta multicolor muy semejante Human League.

En términos generales, Cut Copy es una banda que fusiona sonidos, sueños y esperanzas, generando así un sonido original que vislumbra de ser tanto fresco como nuevo, en el camino y transición se van descubriendo más sensaciones, se pueden elegir y señalar frases como notas, que suenan inmersas dentro de una amplia gama de canciones de la época. La identificación de sonidos es la única cosa similar. Cut Copy actualmente se ubican dentro de una magistral palestra de nuevas propuestas. La música es atemporal y divertida, ¿no es así?

Com Truise - Cyanide Sisters (ep) (2011)

El sintetizador retro-atari-electro-obsesivo hecho por Haley Seth es sin lugar a dudas, un proyecto básico en su forma pero procaz e ingenioso desde su fondo, muy de acuerdo a las necesidades adolescentes que vomitan en los últimos tiempos. Cuando Com Truise debutó en junio con un anuncio de descarga gratuita online de este mismo EP, alentado por un grupo incipiente de fans de Haley (los mismos devotos de Boards of Canada), formó una serie de guetos retro-empapados en las mezclas bajo la bandera del chillwave puesto en boga, junto a sus eventuales compañeros abanderados como Neon Indian y Twin Shadow. Truise, construido como un zumbido modesto, suficiente para ser notado por la gente del sello Ghostly. Remasterizado y re-empaquetado junto con cuatro bonus tracks nuevos, esta reedición marca el debut de Haley en el sello, e inmediatamente se ubica en primer plano como uno de los productores más interesantes y prometedores de la escena; una extraña intersección entre la nostálgica música computarizada de los 80, el funk y la electrónica.

Las influencias de Haley son tan indescifrables como la fuente de su seudónimo enrompecabezado, un caso en particular es por ejemplo, sería muy difícil para cualquier persona en escribir sobre este EP sin mencionar a Geogaddi de Boards of Canada como referente más cercano, dada la identificación del uptempo, trémolos momentos que se repiten constantemente, tracks arremolinados con la pulsación en el sintetizador en temas como "Tripyra" y "Sundriped".

Y, sin embargo, a medida que el ep se desarrolla entre el quemado brillo de "Slow Peels” dándose tumbos y tartamudeos, un paso progresivo de "BASF Ace", que apenas se siente como si importara; mientras que Cyanide Sisters muy claramente tira de los arquetipos en torno a música electrónica, lo progresivo y la nostalgia ochentera, embarcaciones sonoras que hace que sea difícil de negarlo. En otros momentos, como la guitarra clásica de "Norkuy" y la voz-dirigida en “Pyragony ", Truise a medida que va lo suficientemente lejos de las características que le sugieren, tiende a tener un montón de trucos bajo la manga. Según Ghostly, saldrá al mercado un disco de larga duración a finales de este año, por lo que no pasará mucho tiempo antes de que tengamos un mejor sentido de la trayectoria de Truise. Incluso si él acaba de guardar este sentido particular de hacer músoca, sin embargo, pienso, que él estará mejor que la mayoría.

Panda Bear - Tomboy (2011)

Si hay algún registro que se debe pagar como una garantía de audio de calidad, Tomboy por Panda Bear, de Animal Collective es el más indicado. Hermoso disco, lleno de sutilezas que podrían perderse en una apática transferencia digital. Sin esas sutilezas, Tomboy, el álbum más enrarecido en los últimos tiempos, estaría muy cerca de dejar de existir.

Esto es una vergüenza, después de seguir el caleidoscópico Person Pitch, que dicho álbum no fue tan bien calculado, pero allí, Panda Bear (Noah Lennox) no hizo compromisos, el ánimo tuvo dimensión y color, pero cambió todo por un capricho, por un Tomboy. Lennox aclaró como una opción viable y distinta, con mucha identidad artística, y no sólo se vende como un comerciante de los excedentes creativos, sino como proyectos que se espera que sean.

Tomboy, sin embargo, no es tan gratificante como se esperaba, pero hay que esperar de todos modos, esa visibilidad en la gran expectativa por el liderato titular único que se describe como "la ruptura del mantenimiento de un estado de ánimo", es decir, la no monotonía; lo cual no quiere decir que mantener el estado de ánimo es aburrido por defecto. Las 11 piezas son el estado de ánimo de Tomboy, sin embargo, y aparentemente de manera deliberada.

La placa se inicia como una fanfarria de hojalata directamente de una canción metal escandinava, que se une casi inmediatamente por uno de los vibrantes sintetizadores, que se suelen reservarse cual caja de sonidos en las decoraciones de Halloween. Todo esto es una tomadura de pelo grande, Los ánimos con remilgos, los altibajos, y las caídas al vacío en cada track.

Ahora, la incertidumbre con los ojos abiertos en Person Pitch estará nuevamente rondando, Panda Bear en realidad no parece que "sabía que tenía un buen momento para cada disco" pero en Person Pitch, sus inseguridades juegan deliberadamente en la panorámica tela de sus sueños. En Tomboy, sin embargo, cerca de la mitad del disco es para espabilarte, estar despierto en la cuerda floja, capturado entre la vaguedad del sueño y la actitud defensiva de la vida en vigilia. Noah dijo en una entrevista dada a un blog alternativo: “Este tipo de ambivalencia obstinada hace para la gente aburrida y frustrante se aleje de parámetros musicales y conciba en abrir más los oídos ante el vacío inmerso en la “escena musical”.