Depeche Mode - Sounds of the Universe [2009]

Si es que es sin duda, una de las bandas que han durado un cuarto de siglo de manera brillante. Pocas bandas como Depeche Mode (tal vez U2 también, pero es otro terreno) han podido calar hondo con los corazones de diversos melómanos amantes por el pop, lo alternativo y la vanguardia musical. Y es que hablar de ellos y su trayectoria es tan, pero tan amplio, que con un par de líneas, jamás definiría la esencia real y variopinta que han cargado en su estandarte durante mucho tiempo. Pero para refrescar mejor el panorama de este nuevo año, es bienaventurado la espera de “Sound of the Universe”, álbum que saldrá a la venta a finales de abril de este año. David Gahan y compañía no han podido elegir mejor nombre y mejor época para lanzar un álbum tan o más esperado que los anteriores trabajos: después de la clave reinvención de sus géneros por el rock electrónico que subyace desde “Exciter” en adelante. Un álbum totalmente ambicioso, cargado de estridencia, ensamblado de manera inteligente. El disco, en su totalidad, concibe la recopilación de sonidos en un solo trabajo. Engendra y procrea una caleidoscópica fusión de géneros. Es evidente los cortejos entre el “Ultra” (1997) y “Songs of Faith and Devotion” (1993) basados en guitarras intensas e incesantes, con un susurros electrónico imprescindible que nos ilustra la cereza en la torta. Chispazos minimalistas, muy adecuados y pertinentes que envuelven a la estridencia innata de los Depeche. “Wrong” es una inimaginable pieza importante para el lanzamiento del disco. Dura, irritante, casi un latigazo cargado de poder. “In Simpathy” pista que nos esclarece esa nueva (aunque no tan nueva) aura ecléctica y fresca que los rodea. ”Peace” o la acuchillada en el alma, que forja inexorables gritos gloriosos a los cinco vientos, exclamando lo bella e inmortal que puede ser su música. Se hace orgásmica e infinita la voz de Gahan a dúo con Gore. Quizá, una de las piezas mejor logradas. “Jezebel” eterna melodía apoderada por la incomparable y seductora voz de Martin L. Gore que logra apaciguar un maremoto de canciones que no han hecho más que electrizarnos e hipnotizarnos. Gahan, como siempre, ha logrado alegrarnos el año con un renovado trabajo que nos llenará y embelesará como siempre ha logrado hacernos. Durante un tiempo más, sin lugar a duda, tenemos Depeche Mode para un buen rato más.

Sneaker Pimps - Becoming X [1996]

Una de las principales venas que tiene este escritor por la música, es la de escribir acerca de un género musical que él, particularmente, le fascina: trip-hop. Y más allá de hablar de bandas como Massive Attack o Portishead, dos grandes representantes del movimiento “bristoleano” que ido catapultando éxitos de vanguardia, es casi un honor arrodillable el de hablar de Sneaker Pimps. Aunque ellos no tuvieron la cabida necesaria dentro del movimiento underground electrónico de los noventas, se ha convertido en la actualidad, como unas de las bandas influeyentes de la actual escena moderna electro-rock. Sneaker Pimps no es más que el proyecto posterior a “F.R.I.S.K.”, ex banda de Chris Corner y el tecladista Liam Howe; quienes con bases fundacionales de Kraftwerk, Shirley Bassey y Afrika Bambaata, han logrado ensamblar asombrosos sonidos que deambulan entre el trip-hop inglés, el rock setentero y la electrónica minimal. El primer álbum fue primordial para ubicarse entre los favoritos, siendo catalogada Sneaker P. una banda más entre las creadoras de música “moderna” en los noventas. “Becoming X” logró hasta el momento un gran éxito aplaudible entre los nuevos valores del rock electrónico y trip-hop inglés. El disco contó con la participación como voz principal de Kelly Ali, incomparables cuerdas vocales, como en el clásico que no dejará de sonar en nuestro imaginario sonoro como “6 Undeground”, la cual se ha convertido en una evidencia clara de lo que significó los avances y movimientos modernos de la música. “Spin Spin Sugar” electrizantemente oscura, intensa e incisiva melodía que no hace más que ponerte los cabellos erizados y la piel de gallina. “Low Place Like Home” batería básica, guitarras estridentes y agudos arreglos que ejemplifican un interesante juego entre la sensual voz de Keli. “Ho Do” triste y añorante; la balada imprescindible que nos ha hecho soñar despierto durante muchos años. Entre estos y muchos otros logros, han conseguido que “Becoming X” pueda cambiar un tanto el panorama de la música en Inglaterra, tanto así que, el surgimiento del trip-hop en el mundo, ha perfilado que las vertientes eclécticas por los gustos musicales se amplíen hasta dimensiones insospechables. Cabe mencionar el apoyo de la voz de Keli en el disco como ningún otro, ya que en el año 99’ se lanzó “Splinter” (en donde ya no participa Ali) el cual no obtuvo mayor éxito que el primero, pero esa ya es otra historia.

Dato clave:

La balada “How do” es un cover de Willow’s song interpretada por Britt Ekland, canción que aparece en el film The Wicker Man (O “El Hombre de Mimbre”) en el año 1973.

Descarga completa

Röyksopp - Junior [2009]

Hoy me levanté y me dije: Hay que iluminar el día, pincharé algo que alegre la mañana y que brille más que el sol soberano que no quiere irse; Y sí, no existe mejor banda que Röyksopp como para embellecer cualquier situación decadente matutina. Después de hurgar entre mis últimas descargas, me había constatado que aún no le había dado vuelta completa a uno de los discos más esperados del año. Aunque su nuevo disco saldrá a la venta recién este 23 de marzo, “Junior” ya ha estado colgado en la red desde hace un par de semanas atrás. Desde Noruega, el dúo más innovador de la escena electrónica, conformado por Torbjørn Brundtland y Svein Berge, tras cuatro largos años de aletargada ausencia, han vuelto recargados, manteniendo siempre ese matiz pop chill-out imprescindible con que hacen honor a su música. Luego de sus dos categóricos éxitos con “Melody A.m.” (2001) y “The Understading” (2005), ha nacido un álbum mucho más ambicioso, optimista y con un sinfín de sonidos que juegan y procrean una hermosa y renovada producción. Como bien lo han dicho anticipadamente, “Junior” es un trabajo exhausto, muy bien pensado y con el que quieren escalar más allá de la cima, hasta llegar a espacios insospechados. El álbum empieza con la reflexiva y bienaventurada “Happy Up Here”, una lúdica y divertida expresión para las pistas de baile, como para saltar entre luces de colores y globos que caen del cielo; quizá, sea ésta la continuación o segunda parte del primer clásico “Eple” (Melody A.m.) por los chispazos electrónicos sutiles que suenan constantemente y que se enganchan a tu cabeza. “The Girl and the Robot” beats clásicos y en loop, adecuada para cualquier dancefloor; con la colaboración muy oportuna de la superestrella sueca Robyn que ayuda a agilizar la sintonía. “Miss It So Much”, atmósferas pop, entre reminiscencias synth-pop y lo electrónico crean una fusión fascinante, esta vez con la dulce voz de Lykke Li. “This Must Be It” con un evidente pop nórdico, nos recuerda esa esencia clásica del dúo por catalogarse con un sonido ecléctico y vanguardista; y en esta oportunidad, con la voz inquietante de Karin Dreijer Andersson, integrante principal de The Knife (y ahora con su individual Fever Ray), pertinente e indiscutible participación. No ha quedado duda que, Junior se ha convertido en un fragmento juvenil para el dúo, en un producto con una energía inquietante, totalmente imberbe y con ánimos de nunca detenerse en el camino.

Dato Clave

Según un artículo publicado por la revista Music Remedy, Röyksopp mencionó que el concepto de “Junior” se hará más claro, cuando salga el siguiente álbum “Senior”; de lo mencionado, aún está en duda, si algo tiene que ver con el -otro- dúo pop danés “Junior Senior”.

Si quiere ver una hilarante entrevista:

http://channelbee.com/move/music/music#2392

¡Descárgate el album pero ya!

Snow in Mexico - Snow in Mexico [2007]

Se imaginan ustedes, pensar ¿si un día México, siendo éste un país muy colorido en su amplia cultura y que en su mayoría de veces, tiene un clima aceptable y moderado, llegue de pronto la nieve para siempre? Es la idea que surge al leer el nombre de esta banda, muy peculiar e interesante por cierto; el hecho de imaginar que en un lugar fresco y caluroso, irremediablemente se llene de frío irritante, densidad gelatinosa y una tristeza infinita, lo cual nos hace tener una imagen casi chocante, pero al mismo tiempo, profunda. Snow in Mexico son Andrea y Massimiliano, un dúo italiano que desde el 2003, no ha hecho más que intentar sumergirse sutilmente en las campos del shoegaze, siempre tanteando en diversas bandas, tratando de descifrar su esencia, la que ahora ha nacido en su disco homónimo a finales del 2007. Como bien afirman en su myspace dedicado a los pocos, pero fieles seguidores: durante muchos años, se han ido alimentando de diversos géneros como bandas, tales como Bethany Curve, Ride o Urlich Shchnauss entre otros, que han servido de evidente influencia para moldear mejor su trabajo y elaborar una sintonía personal. Se dice que, en sus inicios, apoyaban a The Radio Dept. en la batería y arreglos, pero que sin embargo, surgió una antipatía entre los integrantes de la banda, así que prefirieron apartarse. Encerrándose en la habitación de Andrea, con sintetizadores y una guitarra, lograron sonidos electrónicos sutiles, de ensueño, con aproximaciones al dream pop y shoegaze. El EP homónimo contiene cuatro invaluables canciones que, estoy muy seguro, ayudan a darnos indirectamente, una sospecha a lo que vendría a ser su mejor álbum debut. “Ride” quizá sea la mejor canción lograda. Majestuosa obra de arte, corrosiva como una pesadilla, pero delicada como una joya. “Velvet” imprescindible para escucharla, esperanzadora caja de ritmos pop, serena melodía para relajarse y flotar. “Cinema 5010” se transforma en un puente para la milagrosa exploración hacia lo desconocido, guitarras que se derriten y una voz que trata de explorar entre lo real y lo subnormal. Y es que, no hay nada como escuchar esta música, para transformar nuestro espacio y lo que vemos alrededor, como Mexico, que nos hace visualizarlo lleno de frío, a la penumbra, cubierto de nieve y con una energía enternecedoramente triste.

Si quieres descargar el EP, entra a:
www.snowinmexico.com
¡y a disfrutad!

Dato Clave:

“Snow in Mexico” es el nombre de una canción de Mark Gardener, ex vocalista de la transgresora banda Ride, y “Ride” es -a mi parecer- la canción mejor elaborada por “Snow in Mexico”. Saturante influencia.

Soundpool - Dichotomies & Dreamland [2008]

El sábado pasado una amiga me comentaba que le gustaría colocar música a todo lo que ve a diario, pero yo pienso o siento distinto: la música me hace crear imágenes. Muy pocas bandas he visto que hacen el juego audiovisual a base de su repertorio en sus performances, una evidente muestra es Soundpool, quienes a partir de su música, juegan con imágenes, colores, videogramas, todos ellos alucinantes, en casi todas sus presentaciones, y lo interesante es el intención de lograr un efecto más lúdico e interpretativo de lo que se escucha. Kim Field, líder, vocalista y fiel amante del shoegaze, es la que dirige a Soundpool junto con John Ceparano (guitarra y voz), Mark Robinson (teclados) y James Renard (batería) quienes con poca trayectoria han logrado acaparar la escena Newyorkina con un renovado trabajo prometedor. “On High” (2006) fue el primer y muy bien comentado primer álbum que los llevo a ubicarse como uno de los discos más escuchados y con mejores críticas durante ese año. Aunque su sonido nos lleve a eticketarlos como noise, shoegaze o dream pop, ellos hacen hincapié en que son: audiovisual-space-rock, ya que su pasión en escena es la de llevar un presentación audiovisual dentro de un mismo espacio, casi como una performance audiovisual de galería de arte. Entre las influencias evidentes nos traen a la memoria a Colour Kane, My Bloody Valentine y Slowdive, quienes han servido de inspiración para perfilar sus dos primeros trabajos. “Dichotomies & Dreamland” fue lanzado el año pasado con gran augurio por parte de los amantes del género, y en poco tiempo, canciones como “Welcome to Dreamland” (espectacular para introducirnos a un mundo de sueños, como dice) o “Do What You Love” los catapultó como un disco de culto al finalizar el año. Las vibras mágicas se sienten en sus teclados casi infinitos, la tierna voz de Kim no es más que un eco ininteligible que nos resulta inexorable dejar de escucharla. “Lush (What Becomes You)” dulces teclados inofensivos y caja de sonidos que embellecen pero que al mismo tiempo entristecen el panorama. “The Divides of March” corrosiva y perturbadora, vinilos desgarrados, escenarios que se desmoronan. “Dream Sequence” sendero interminable, pausado, pero con energías bipolares que cambian constantemente de ánimo. El álbum es un pretexto más para volver a los géneros ruidosos ahora llevados por novedosas bandas que han logrado un extenuante y peculiar reinvención, como Airiel, Air Formation o Panda Riot, quienes junto a Soundpool, mantienen latente el alma shoegaze que cada vez resulta menos olvidado y mejor elaborado.

Descargar disco

The Mary Onettes - The Mary Onettes [2007]

“¿Aló? ¿Ahora si me escuchas? la banda se llama da-meri-onets!, bájatela pues, ¡está paja!.. ¿Las Mari-onetas?” Me dijo un amigo al tratar de descifrar la banda que le había recomendado por teléfono para que se la descargue en el acto! Sin embargo, aún queda en estado discutible si el nombre de la banda tenga tangencialmente un significado literal de “las marionetas” o algo parecido; pero el meollo del asunto es que su bestial sonido oscuro e integro está resonando por toda Suecia y desbordándose en casi toda Europa. Las tierras escandinavas últimamente andan con viento en popa, cosechando asombrosos productos sonoros -menciónese a los honorables The Radio Dept. como indiscutible ejemplo- todos ellos con actitud y un espíritu vivo. Son cuatro los responsables de The Mary Onettes, pero es Philip Ekström quien lleva la batuta como líder y principal productor; A pesar que a sus inicios no lograron ubicarse dentro de la escena sueca, han tenido que probar y cambiar su sonido de diversas formas, con el fin de hallar el verdadero motivo por el cual seguir. Luego de haber lanzado su primero disco homónimo diríamos: ¿Cómo catalogar su sonido? Las brújulas intuitivas nos guían hacia un gran abanico de géneros y -sobretodo- bandas que han servido de influencia incisiva para poder procrear un trabajo variopinto, cargado de emociones, sueños y tristezas, pero con aspiraciones a volar lejos. New wave, post-punk, shoegaze y noise pop, fundamentos luctuosos y decadentes: “Slow” se escuchan baterías ochenteras a lo The Church y puedes caer hipnotizado al escuchar reminiscencias de la voz de Ian McCulloch (Echo and the Bunnymen). “Laughter”, sinfonía aletargada, se siente un sendero interminable, fúnebre, o al estilo que siempre amó Ivo Watts para el imponente This Mortal Coil. O también “The Companion” la fuerza mayor del álbum, no es mas que una mezcla caleidoscópica entre lo lúgubre, el pop clásico y los sintetizadores vanguardistas, toda una simbiosis muy sugerente. Y “Under the Guillotine” impecables ritmos armoniosos y guitarras que emulan indirectamente a Dreams Never End de New Order y esa voz irregular que no hace mas que flirtear con Robert Smith. Es imprescindible mencionar que, la actitud de Mary Onettes por la reinvención de sonidos que marcaron un hito en la música de los años ochentas, sirvieron para producir un trabajo pensando, con miras futuristas y con un ánimo versátil y apasionado de hacer lo que mejor saben hacer: música para nuestros oídos, para perdernos en el incierto, o para nunca despertar.

Dato clave

A pesar de la notoriedad de las influencias ochenteras que tiene la banda, ellos han dicho públicamente que son amantes fieles a The Stone Roses, y diversas bandas de inicios de los noventas.

[Descarga el album haciendo click en la portada del disco]

School Of Seven Bells - Alpinisms [2008]

¡Steve Lovejoy es tú culpa! Ya que él, un amigo de California, me hizo una de las recomendaciones más importantes -y muy oportuna por cierto- de los últimos tiempos. La verdad, era ya tiempo que no escuchaba a una banda que tenga influencias innatas de bandas tipo shoegaze con reminiscencias dream pop y con peculiares destellos electrónicos, con un acabado muy vanguardista y fresco. Pues School Of Seven Bells, no es más que la unión de dos bandas tipo underground de New York: Benjamin Curtis, ex guitarra de Secret Machine y Claudia y Alejandra Deheza, hermanas y gemelas que formaban On! Air! Library! Los tres integran School Of Seven Bells, o simplemente llamados, “SVIIB”. Si bien se dice que son los hijos perdidos de la 4AD (o en todo caso, los nietos no reconocidos), ellos mismos han asentido a que su música es una mezcla inteligente de diversos géneros ochenteros y poperos. El sonido inicial que forman sus sintetizadores, guitarras y demás detalles minimalistas, son acompañados de letras abstractas y con voces angelicales y etéreas (o sí, tipo Liz Fraser), produciendo una atmósfera cálida, fresca e interesante. Previo al lanzamiento, se editaron ep’s: “Face to Face” & “Silent Grips” los cuales tienen versiones bizarras de las originales y que hacían las veces de premonición para lo que vendría: “Alpinisms” fue lanzado oficialmente en el 2008, producto engendrado por el sello Sonic Cathedral, el cual ha incubado diversas bandas de géneros nosie, pop y alternativo. “Iamundernodisguise” rítmico inicio, voces que se entremezclan y sacuden al oyente. “My Cabal” casi una emulación perfecta de alguna canción perdida de Cocteau Twins, perfecta, dulce. “Half Sleep” secuencias electrónicas armoniosas que se pierden al unísono. “For Kalaja Mari” pausada sinfonía enternecedora, es como si His Name Is Alive se hubiera incrustado entre las cuerdas. “Wired of Light” aquel sonido noventero imprescindible e influenciable es evidente, caja de sonidos en loop, guitarras leves y exactas. Es importante destacar la creación y fusión de elementos musicales y las diversas influencias que cada uno tiene como aporte a crear algo novedoso, un pop contemporáneo, ecléctico y vivo. En definitiva, los SVIIB quieren escalar alto, Alpinisms se ha convertido en poco tiempo en un álbum básico e importante; sobre todo para los coleccionistas que quieren escuchar algo novedoso y futurista. Es menester tenerlo y darle vuelta.

Datos Claves:

“Alpinisms” tiene una versión de “My Cabal” versionada por Robin Guthrie, ex guitarra de Cocteau Twins.

¿Qué significa School Of Seven Bells? Se supone que el nombre rinde homenaje a una escuela de carteristas andina.

Fever Ray - Fever Ray [2008]

Una de las manías que tenía cuando era niño, era la de grabar en una cassette mi voz, la de mis hermanos o los ruidos de la casa o de la calle, y volverlos a escuchar; sin embargo, lo que quería era modificar la voz y crear otra nueva, y repetir y repetir para volver a escuchar. Muchos años después, logro hallar a Fever Ray, que quizá sea la máxima expresión en rediseñar y reelaborar las voces que entran por su micrófono y que salen por nuestros audífonos. Desde Suecia llegó Fever Ray, el proyecto en solitario de Kari Dreijer Andersson, vocalista del grupo The Knife, quienes tras una extensa gira mundial (de la que nunca llegaron a Perú L) y su evidente y rotundo existo de “Silent Shout”, decidieron hacer un alto para tomarse un receso. Y fue ésta la oportunidad para que Kari pueda engendrar su primer trabajo como solista, tan o más oscuro que The Knife. Desde el primer hasta el último track, se puede sentir una energía voraz, lúgubre que te va casi carcomiendo de a pocos. Sonidos minimal y básicos es lo que prima durante este nuevo viaje que emprende Kari, una combinación increíble entre las bases electrónicas y digitales con instrumentos tradicionales como guitarras solas o congas africanas que moldean una estructura dramática incontenible. El primer single lanzando es “If I Had a Heart”, desde ya se siente esa pulcritud atinada en las letras, muy precisa y corta, como a Kari le encanta crear. “When I Grow Up” ese grito melódico, desbordante y -sobretodo- desconfigurado con el tono de voz de Kari, todo un clásico en The Knife y un ahora éxito en Fever Ray. “Triangle Walks” indomable como luminosa entrega; O también “Concrete Walks” la que, a mi opinión, es la mejor canción del disco, con tan sólo dos simples sonidos que se pierden en el incierto y que te llevan a situaciones insospechadas y la voz deforme de tipo hombre-mujer, ambigua e indescifrable, simplemente fascinante (hasta casi excitante). “I’m Not Done” que según fue la última canción que escribió Kari, transmite esa idea literal del título, esa inconclusa elaboración, o esa gesticulación deficiente que evocan las letras y que, aunque el resto de canciones transmitan tristeza y depresión, ésta es mucho más intensa y llena de vida. Sin duda, la grandeza de Fever Ray va creciendo poco a poco, los proyectos que llevan a cabo Kari junto a su hermano Olof Dreijer (The Knife) cada vez se vuelven más interesantes. No dejemos pasar por alto este disco, otro más a la colección.

Datos claves

El proyecto Fever Ray llevado por Kari Dreijer Andersson fue doblemente engendrado, ya que fue escrito en 9 meses, tiempo que llevó también para gestar a su bebé.

"When I Grow Up" es un fantástico video dirigido por el genial Martin de Thurah.

Cut Chemist - The audience’s listening [2006]

Hace ya algún buen tiempo le dije a Alejandro: Me gustaría hacer un video con esta canción, escucha! sonaba “The Garden” una canción que no se lograba discernir entre algo electrónico, bossa nova o hip hop, era una mezcla mágica le dije. Tan sólo hacía poco tiempo que me había conseguido “The audience’s listening” el cual leí en una revista virtual Dazed & Confused. Es un disco totalmente ecléctico, raro y con un setlist muy particular de canción en canción, es como si te contaran un cuento de niños tipo surreal y al final no entiendes nada, pero te queda una sensación extraña o ambigua, pero interesante al mismo tiempo. Se supone que Cut Chemist hace hip hop abstracto, bordeando entre el trip hop y la electrónica experimental de los últimos tiempos. Lucas MacFadden o actualmente conocido como Cut Chemist, era popular anteriormente en sus colaboraciones con la difunta banda de rap Jurassic 5, y es también uno de los mejores dj’s de vanguardia entre DJ Shadow o Unkle. A pesar que Lucas ha hecho rap durante años y se le ha identificado usualmente con éste género, en este disco trata de indagar nuevos sonidos, fusiona y mezcla géneros entre sí, tal es el caso nuevamente de “The Garden” en donde samplea una versión de Astrud Gilberto, impresionante y al mismo tiempo siniestra; O tal es el caso de “Metrorail Thru Space”, secuencias rápidas, frases estrepitosas y alocadas que crean una armonía electrizante. “(My First) Big break”, provocadora y robotizada, pareciera que fue creada en los años 60 y que fue remasterizada en el siglo 20, tras escuchar vociferar: the robots are coming!!, que más se asemeja a un flirteo entre Kraftwerk y alguna película de monstruos o robots invasores al planeta a blanco y negro. Pero no hay que olvidarnos de “Spat” la cual recrea una conversación telefónica a base de scratches. Y finalmente “Spoon” & “A peak in time” sin lugar a duda, logra que el disco tenga un climax brillante y un final estremecedor. Es innegable que DJ Shadow fue y es un gran soporte para Chemist en ubicarse en el terreno del hip hop/rap/experimental, habiéndose ellos creado “Hard Sell” álbum espectacular en donde los samplers y las mezclas se esparraman y erosionan a borbotones (Father Figure de George Michael o Try Again de Aaliyah). A pesar que The Litmus Test (2005) no llegó a tener suficientes ventas a diferencia de The audience’s listening, no ha dejado de oírse en diversas discotecas y bares underground. Este disco, sin pensarlo dos veces, se ha convertido en un mítico entre la librería, no lo pienses dos veces, descárgalo de una vez!

Datos claves

“Metrorail Thru Space” & “(My First) Big break” fueron utilizadas in the background acorde al tema para un desfile de Balenciaga en el 2008

"The Audience is Listening Theme Song" (la última pista de The Audience's Listening) se utilizó en un anuncio del iPod Nano de Apple 2 generación.

Peter Gabriel - So [1986]

¿Alguien va a ir al concierto de Peter Gabriel? Fue el topic en mi facebook hace pocos días, que con una sutil iniciativa, trataba de indagar quién podría acompañarme al concierto, ya que muchos de los que conozco, a casi nadie le gusta el master ex Genesis que se impone en tocar por primera vez en Lima. Una de las razones por las que iría al concierto es, efectivamente, por el único disco que ha marcado hito a mediados de los ochentas y que, aunque no es mi época y porque en ese mismo año nací, es rescatable hablar un tanto de él. “So” salió a la venta a inicios del 86, tras el éxito primigenio de “Solsbury Hill” canción con la que se introduciría al mercado como solista y su posterior hit “Shock the monkey” hasta ahora recordado y bailado. Pero sería “Sledgehammer” canción que consagraría un éxito comercial y mundial, la cual se ubicaría por número uno durante semanas en las listas de Canadá, EE.UU. y Reino Unido. Además, cabe mencionar que el videoclip, es como un juego de niños, con letras lúdicas y expresión pop en todo sentido. Dirigido por Stephen R. Johnson, marcó importante legado visual en aquellos años, rompiendo esquemas en edición y post-producción, sirviendo como ejemplo para trabajos audiovisuales póstumos. “Don’t give up” sería la parte más leve y serena dentro de “So”, con la impecable colaboración de Kate Bush apoyando a que el álbum sea aún más digerible y en contraste a todo lo que había hecho Gabriel hasta ese entonces. “Red rain” & “Mercy street” flamantes canciones que equipara al álbum con el peculiar sonido de los ochentas, de tipo “hits radiales”, con las baterías y guitarras pronunciantes y resonantes, con un sonido digno de ser catalogado dentro de la crema innata de épocas otrora, las cuales vio a nacer a “So” y “Us”. En resumen, es un álbum compacto, que refleja ese ánimo dinámico y variado que tenía Gabriel de demostrarse tal cual es, con una energía muy individual, renovada, fuerte y resistente. Un disco básico para cualquier melómano ochentero. Después de leer esto, ¿alguien más se animaría a ir al concierto? Y eso que no he hablado de “Up” y eso será para otro texto.

Dato Clave: ¿Por qué el álbum se llama “So”?

Según el mismo Gabriel, el nombre de su primer disco en estudio (porque los anteriores simplemente era epónimos) no tiene ningún significado alguno; o con sus mismas palabras lo dice: “No significa nada, tan sólo quería formar una palabra con dos letras, ¡es todo!” según se publicó en una entrevista de la revista Smash Hits en el 86.