caja medular

Neon Indian - Era Extraña (2011)

2011-09-28T08:28:00.000-07:00

Aunque a nadie le guste que su trabajo sea generalizado sobre una etiqueta pegada, resulta inevitable. Con los lanzamientos de este año, que alimenta al ahora muy sólido Chillwave son Toro y Moi y Washed Out, que se vislumbran no desaparecer en un corto plazo. Alan Palomo, fundador de Neon Indian, cuyo diáfano debut en el 2009 con Psychic Chasms, fue una pieza clave para etiquetar aún más al sub-genero, considerado uno de los puntos más altos del mismo. Palomo colaboró con Chris Taylor de Grizzly Bear para un brillante único single llamado "Sleep Paralysist" y, a principios de este año, sacar un sólido EP con raros atisbos psych-pop de The Flaming Lips. Ambos trabajos predecían poco a poco lo nuevo que se veía venir de Neon Indian.

No debería ser una sorpresa que Era Extraña sea un registro tan bueno como su predecesor Psychic Chasms, eclipsándolo incluso que de vez en cuando. En gran medida, esta segunda entrega es una llamarada a lo que el synth-chill-pop podría catapultar como una obra de arte única. La apertura de un burbujeo en marcha de sintetizadores melancólicos, chispazos Super Nintendo a lo Crystal Castles como referente inmediato. Explosiones inminentes con "Polish Girl," una maravilla pegajosa que reúne muchas influencias en un solo track y que de seguro una de las mejores a fin de año. Podemos encontrar otros brillos como “The Blindside kiss”, “Arcade Blues” o “Future Sick” esa lluvia multicolor de ruidos pop, lo-fi con reminiscencias en Jesus and Mary Chain y una mirada rápida al pop chicloso “caleta” ochentero hecho en garajes y de manera precaria con equipos de segunda. “Suns Irrupt” o un mejunje bailable dentro de un lúgubre escenario, replanteos, reciclajes. Envases futuristas. “Fallout” quizá el lado más denso de la placa, los teclados se derriten. Contradicciones: Una sensación pesimista pero con una proyección muy futurista, que enmarca al disco de manera versátil, condensado y equilibrado, tratando de generar un balance entre lo lúdico, hipnótico y futurista. Este neo-pop-psicodélico, extremadamente desbordante en Era Extraña, a pesar de ser un tanto predecible al inicio, resulta ser un trabajo muy identificable dentro de nuestros acelerados tiempos. Esos brillos cotidianos. Es el fenómeno a la sensación del pop. Inevitable.

Link de descarga inmediata:

http://www.filesonic.pe/file/2028411121#

Big Troubles - Worry (2010)

2011-09-07T16:20:00.001-07:00

Big Trobule inicialmente aparece como un acto retro; abre su álbum debut, “Worry”, con "Video Rock", lanzado inminentemente como un signo proclamador de la década de 1990s, con la caída del nombre VHS y las guitarras de cuatro pistas grabadas con imposibles decibeles. Los oradores del sonido lo-fi le dan una estética que llame la atención y les empuja cerca de sus antepasados, dándole a la guitarra una intensidad y una calidez que recuerda momentos más ruidosos dentro del shoegaze y el pre-noise. El guiño más evidente viene con el tartamudeo del tambor que marca el comienzo de "Video Rock", inclinando su sombrero a los primeros segundos de Loveless. “Feudian Slips” es ese retroceso hacia Medicine o la mágica “Boomerang” una licuadora entre Jesus and Mary Chain y Spectrum que dan ese chasquido armonioso y voces que se derriten.

Al principio, es emocionante perseguir las melodías a través de todos los “ruidos”, pero esto finalmente se convierte en una persecución agotadora. La producción descarada tiende a mantener al álbum una sola dimensión sonora, y hace que el registro sea seductor en un primer momento y luego se convierte en una dulce encrucijada. Inmersos un entorno arenoso, la composición podría brillar aún más, sin embargo, esta frustración persistente no ayuda por la secuencia anticipada que se basa un impulso fuerte sólo para el registro de caer bajo su propio peso, ya que se arrastra en la segunda mitad.La portada “Worry” muestra una variedad de muebles y aparatos electrónicos en ruinas. Big Trobules cuida en emitir las vibraciones separadas, intenta en acoplar ruidos de diversa índole, espacio, momento, es ahí en donde el desorden visual se transforma en un orden sonoro sumamente efectivo.

Link de descarga directa:

http://www.mediafire.com/?ou8jremmrlps768

Ducktails - Ducktails III: Arcade Dynamics (2011)

2011-09-05T20:33:00.000-07:00

Mejor conocido por su trabajo con Real Estate, Matthew Mondanile aka Ducktails, silenciosamente ha lanzado un lote de proyectos de dormitorio que perfectamente coexisten con el cuarteto Jersey pop, mucho más atractivo y melódico que de costumbre. Mondaline cautelosamente nos invita con un aroma penetrante y viva acidez con este trabajo titulado Ducktails III Arcade Dynamics, en donde la mayoría de las canciones suenan un tanto desalentadoras, inducidas por fármacos tranquilizantes, describen grietas en las paredes, permitiendo que algunas manchas solares acaricien los oscuros rincones de las lóbregas paredes de una habitación.

Escuchar Arcade Dynamics, es como entender proyectos en solitario como Panda Bear: Un registro individual de una banda con un solo hombre lo suficientemente fuerte como para competir; un cuerpo completamente desarrollado de trabajo. Muchos artistas, incluso a sí mismo Mondaline, lo han logrado en el pasado, simplemente siguiendo sus instintos. El disco es mucho más auto-suficiente que su homónimo anterior que fue catalogado como denso y pretencioso, este es mucho más elaborado en amplias gamas y formas.

Claro está que Ducktails intenta desarrollar un sonido con un amplio alcance, sin embargo, la fibra moral se pierde, lo que resulta una serie de ganchos agradables que afinan la etiqueta psicodélica de lo no convencional. Killin’ the Vibe y Sunset Liner dibujan una configuración familiar: su voz haciendo eco de la fluencia de la guitarra bañada por el sol, como imaginando muchachos contorneados corriendo uno tras otro, inmersos en el fulgor de la playa. Arcade Shift y Art Vandelay como joyas cálidas de sótano, se evidencia ese romanticismo abarrotado por rechazos de secundaria, intransigencias adolescentes que le dicen.

Un disco contradictorio, romántico y con muchos vacíos emocionales. Es menester desmayarse con él.

Link de descarga: http://www.mediafire.com/?a921iac2wfjavc2

John Maus - Love Is Real (2008)

2011-08-27T09:33:00.000-07:00

La inquietante noción del tiempo resulta atemporal cuando escuchas a John Maus, un pop ambivalente, lleno de altibajos, con imposibles brillos y escenarios oscuros. Las reminiscencias se hacen notar: un pop ochentero sintetizado, con una voz grave que se pierde hasta el unísono, teclados a lo Devo y mucha política entremezclada entre sus letras.

La segunda producción de John Maus “Love Is Real” es todo un viaje apocalíptico por las calles de nuestra ciudad. La profunda nostalgia del hogar, recovecos del corazón humano. Se trata de un mapa de auto-descubrimiento de rechazo, y el escapismo capturado a través de 14 canciones de música pop melancólico barroco. De un estilo similar a su debut en el 2006 "Songs", el álbum es una mezcla de exploración, sintetizador de teatro con tensión nerviosa y las líneas de bajo insistente, clic constante en la caja de ritmos.

Sin lugar a duda, la placa de Maus es un esfuerzo más reflexivo. Un álbum de contrastes, de la oscuridad, la familiaridad y la luz. Momentos de intensa ansiedad discotequera de advertencia contra el pecado de la avaricia: "Too Much Money", se encuentran codo a codo con fugas de virtuoso romanticismo como "Green Bouzard". La yuxtaposición de synth-pop y la flotabilidad de los 80’s. Letras a veces hasta malhumoradas es otro buen ejemplo de esta tensión. Depresión a lo Joy Division, devoción hacia David Bowie, sueños y pesadillas que van y vienen de entre los 14 tracks.

"Love Is Real” es un disco basado en los enfrentamientos de los demonios interiores, buscando a través de la eternidad y encontrar esperanza en la oscuridad de nuetros tiempos de incertidumbre. En pocas palabras, sólo puede ser un álbum de John Maus.

Descárgatelo vía mediafire con

http://www.mediafire.com/?3ytmyr3zzwl

Boards of Canada - A Few Old Tunes (1996)

2011-08-06T11:26:00.000-07:00

A Few Old Tunes es un álbum doble recopilatorio de estudio grabado colectivamente como viejas canciones o bocetos, pistas “a prueba” que jamás se publicaron. Siempre se ha rumoreado que estas pistas han sido elaboradas en privado, con familiares y amigos de la banda en algún momento alrededor de 1996. Las copias digitales de A Few Old Tunes se filtraron presuntamente en redes antes de su publicación oficial, a través de la web oficial y descargas gratuitas en blogs y revistas en línea.

La legitimidad de A Few Old Tunes, nunca ha sido confirmada por Boards of Canada o de cualquiera de sus sellos, y no existe controversia alguna de que el álbum podría ser un engaño o el desapego del estilo de la banda. Hay algunos elementos que pueden consolidar la legitimidad de esta grabación: Una breve muestra de la pista "5:9:78" es usado en un comercial de Nissan, dirigida por Chris Cunningham (que a menudo se asocia con la banda y con su sello la deformación). Para cualquier fanático acérrimo en BOC, el disco es, sin pensarlo más de dos o tres veces en adquirirlo, imprescindible. Contiene un sinfín de elementos, voces perdidas, synths clásicos y mucha energía bizarra esparramada.

Descarguen el disco desde: http://www.mediafire.com/?3ozyozmihtn

Boards of Canada - Music Has the Right to Children (1998)

2011-08-04T16:21:00.000-07:00

Una vez más caemos en cuenta el sonido anti universal que pretende manejar Boards of Canada en cada producción. Music has the right to Children es la mezcla arbitraria de melodías entre el synth, hip-hop y la electrónica meramente pura, procreada a una sola concepción. Con un sinfín de referencias evidenciadas, como Autechre, Brian Eno o The Orb son los que tienen el mayor alcance al oído.

El disco se creó con la fusión de Twoism y Hi Scores, convirtiéndose en un disco tan bueno, que forma parte de manera inmediata e impecable a un género paralelo de lo ambient, se crea como un “mini-género” en sí mismo y se convierte en taquigrafía para un determinado conjunto de valores. Como es usual, BOC utiliza baterías electrónicas, samplers y una invaluable lluvia de diálogos, así como synths digitales pre programados, que te dan esa sensación del espacio atemporal; un costal de sonidos fusionados, pero estructuralmente bien armados.

El resplandecer de una tarde y la cotidianeidad se unen en “Roygbiv”, el single más destacado de toda la carrera de BOC, una pieza tibia y elegante. “Turquoise Hexagon Sun” una de las obras más antiguas y que mejor describe la esencia y las evoluciones en el sonido de BOC. Un teclado y la delicada voz de un niño(a) que proclaman I love you hacen “The Color of the Fire”, voz hipnotizadora. “Aquarius” quizá sea esta la única canción que no corresponde al álbum, sumamente atemporal, con reminiscencias futuristas y una energía mágica que se desborda en cada parlante que se escuche. “Olson” o esa conexión apaciguadora con el mar y el inicio de un nuevo día. Es, sin lugar a pestañeos, un disco lleno de amaneceres y atardeceres.

Boards of Canada - Geogaddi (2002)

2011-08-03T13:47:00.000-07:00

Quizá sea Geogaddi, uno de los discos que más se ha comentado y especulado durante el 2002, por su irreverencia, por su implacable rompimiento en la doctrina en el indie y la electrónica que se posicionaba de manera paulatina, pero que, gracias a este disco, llego cual golpe en la cien, en donde no era muy habitual escuchar fusiones de conversaciones, bruscos beats y loops infinitos hasta el quiebre. Los amantes del eclecticismo sonoro, podrían enmarcarlo como una de las mejores e interesantes propuestas hasta ese momento logrado por el intrépido dúo escocés.

Geogaddi es, sin lugar a duda, un disco muy abierto y hasta universal por su amplia amalgama de texturas. Canciones como “Julie and Candy” que no hace más que dibujarte una lúdica experiencia infantil con sus amenos beats. “The devil is in the details” una mixtura entre un bebé llorando y –al parecer- la voz de una mujer ahogándose que te da esa sensación claustrofóbica. “Dawn chorus” el alba se desenmascara ante un brillante rayo solar que entra por la rendija, emociones a flor de piel, ejemplar acústica y un gran manejo en la edición de las voces que se entremezclan entre si. “1969” o quizá la mejor canción lograda en el disco (y probablemente en toda su carrera) te da esa idea de una invasión de robots y cyborgs, el ciberespacio como tema eje. “The beach at the redpoint” podría caerle bien como banda sonora de alguna película de terror o de seres mitológicos escondidos bajo el mar. “Gyroscope” o como ese loop infinito, puede llegar a aturdirte y enviciarte hasta el derrame cerebral. En teoría podemos decir que el disco es avalancha de emociones encontradas, lleno de ásperas sensaciones como cálidas y melancólicas experiencias convulsionadas. El arte de Boards of Canada no tiene límites.

Si se quieren bajar el disco directamente desde Mediafire, lo pueden hacer desde:

http://www.mediafire.com/?lnujljk299o

Boards of Canada - The Campfire Headphase (2005)

2011-08-02T07:41:00.000-07:00

Una vez más caigo en la respuesta en cómo la invención de la música se basa en la inmediatez de generar sensaciones, texturas y viajes intuitivos, masoquismos espectrales sonoros y, es así que, Boards of Canada encaja perfectamente, puesto que ha sido uno de los proyectos más misteriosos y que ha generado constantemente derrames entre la mal llamada minoría de su público que los considera como una banda de culto del ambient y la electrónica sampleada; logrando así una marca irremplazable en la historia dentro de los parámetros de la composición conceptual.

The Campfire Headphase ha calado hondo dentro de los oídos de los fanáticos acérrimos que los han seguido desde sus primeros eps y grabaciones inéditas a inicios de los 90’s. La gran mayoría que sigue su música, sabía que a pesar que BOC tiene una línea, digamos, “definida” dentro del género, es casi impredecible lo que venía creación tras creación. El álbum tiene altibajos, variantes. Te describe singulares escenarios vacíos, neutros, sumamente difusos hasta cierto punto. Su estilo marcado, como la fusión de samplear diálogos perdidos fusionándolos con escenarios y pequeños detalles minimalistas cotidianos, con el objetivo de generar olas que vienen y se van. El excelso poder que genera The Campfire Headphase con cada canción, con sutiles melodías, delicados drum and bass y down tempo, peculiares títulos que te dan la idea por qué esas melodías caleidoscópicas pueden representarlas. “Satellite Anthem Icarus” o la avalancha mitológica marítima con finos y somnolientas guitarras, en un espacio nulo y sin personas, genera esa mágica sensación que levitas. “Oscar See Through Red Eye” es un óleo mixto, muchas técnicas, pequeños y grandes sonidos se entremezclan. “'84 Pontiac Dream” representa esa mañana inevitable, tratando de ser esperanzadora, brillos matutinos y apaciguante hasta cierto punto, tanto así es el poder altibajo que tiene puesto que pasa a “Sherbert head” que es uno de esos interludios que más que lados B debería ser el single promocional del disco. Aturdido y de pesadilla, sólo se consigue eso. Lo Campfire es, a manera muy descriptiva, la fogata en donde todos se acercan y tratan de abrigarse y permanecer en paz. Es, la incesante necesidad de conectarse con el paralelo, aquel universo minimalista que inconscientemente añoramos pero que, sin embargo, siempre estará ahí, y nunca nos daremos cuenta.

Si los convencí de bajarse el album, lo pueden hacer directamente desde acá:

http://www.mediafire.com/?cyx1mnymedx

Sea Dweller - Love Is Coming (2009)

2011-06-22T14:24:00.000-07:00

Caminando bajo los efectos de Slowdive, Moose y The Telescopes. Esta es el primer lanzamiento con el sello “Shoegazer 2&1”, re-dirigido ahora por el fundador de la famosa Alison records que tuvo bajo su tutela a bandas que emergieron desde lo underground y que ahora son clásicos del nuevo dream-pop-rock contemporáneo, me refiero a bandas como: Malory, Resplandor, Monster Movie y Highspire.

La placa debut de Sea Dweller lo comprende dos capítulos: contiene el ep inédito "Days To Find A Way", que fue previamente relanzando como un interludio, además, de su primer EP "Underwater Town "(publicado anteriormente como una edición limitada de 100 copias numeradas, hechos a mano, con funda de cartón, renovada y remasterizada). En conjunto, "Love Is Coming" es un álbum que reúne diversos signos y señas, atisbos que resultan ser armas blandas de hedonismo innato. Si al escuchar el disco, cual clavado al mar, encontramos guitarras encuadernadas, sintetizadores que se mezclan con las voces que más parecen ecos perdidos y entrelazados a una red incierta. Es evidente la estrecha relación existente entre Sea Dweller junto a sus co-workers de sello, y, no resulta siendo tan entrañable como se pensaba inicialmente, puesto que el disco, cual libro abierto, va de inicio a fin a ritmo in crescendo, como desvarío, en pasajes de ensueño y mucha energía a viva voz; tal cual fue en algún momento Catherine Wheel o Blind Mr. Jones, bandas que podrían asemejarse mucho a este nuevo sonido que cada vez explota con muchas sorpresas durante el camino, camino que no dejamos de mirarlo, con la cabeza gacha.

Caribou - Swim (2010)

2011-06-20T06:04:00.001-07:00

Es difícil de clasificar el último álbum de Dan Snaith: “Swim”, ya sea como un paso hacia adelante o hacia atrás de su predecesor aclamado, “Andorra”. Mientras se revolcaban en hermosas melodías pop de los 60’s con aditivos tecnológicos, “Swim” tiene un enfoque más directo en su uso de la electrónica. El nombre del álbum se deriva del deseo de Snaith para dar a sus canciones un “flujo” flexible a menudo no característico de la estructura “dance”; dado que dicho género tienen una reputación de estructuras rígidas y los bucles repetitivos, lo bailable no coincide exactamente con la forma en que el agua fluye de ida y vuelta de manera imprevisible, pero se siente un aura caprichosa suficientemente instantánea. Snaith nunca ha sido ajeno a la ambición, así que verlo frente a un nuevo sonido en Swim no es del todo sorprendente. A pesar de este cambio, sin embargo, el álbum todavía suena claramente como la “esencia” Caribou. Los gemidos de Snaith ayudan a clarificar una vez más esa atmosfera muy identificativa que garantiza la virtud y esencia de la banda. Independientemente del fetiche estilístico que planea explorar la composición, en general, siguen siendo y en la misma temática o estructura de mucho interés.

Snaith, en colaboración con Jeremy Greenspan de Junior Boys, producen Swim que es altamente indicativo en la dirección del álbum, incluso le ha dado a Snaith algunas sugerencias para ajustar su voz a un estilo de la producción más cercano con la electrónica de Junior Boys. Caribou utiliza efectos rítmicos que son algo no convencionales para la electrónica-pop contemporánea, a menudo abandonada en componentes clichés. Swim sigue en esa ideología muy familiarmente reconocida y con la visión única de Snaith, inevitablemente crea algunos resultados muy interesantes. El primer single “Sun”, una lluvia solar en base ritmos reiterativos y caleidoscópicos, genera una incesante ambigüedad entre lo bailable y lo mínimal. Algunos otros temas como "Kaili" o "Bowls" práctica frecuente de efectos vocales con una atmósfera adecuada y efecto redundante con altibajos. Aunque dicen que lo más clásico es “Odessa” es como la entrada formal a lo no formal, puesto que finaliza con ”Jamelia”, una obra maestra para finiquitar un arduo trabajo que convierte cada sentimiento a una amplia amalgama de sensaciones no identificables. Los aspectos electrónicos de la producción en Swim es una aplicación más de acuerdo a su arsenal de instrumentos y estructuras de las canciones. Inevitable.

Brothertiger - (EP) Apache Feathers (2009)

2011-06-16T08:54:00.000-07:00

Brothertiger es el alter ego de John Jagos, un estudiante de Ohio que nos regala cinco deliciosas canciones hechas con sintetizadores lo-fi, llenas de melodías relajantes y veraniegas. Su música es perfecta para un día de playa. Cascada de sintetizadores, bases muy ochenteras, guitarras soñadoras que aparecen de pronto. Sus melodías son realmente pegadizas, alguna de sus canciones te aturde y te sorprende de la mejor manera posible, y eso lo hace genuino, sustancial. No sabemos cuál será el futuro de Brothertiger, después de haber lanzado su Ep “Vision Tunnels” junto con algunas colaboraciones que podemos encontrar en la red, regresan con otro mucho más sofisticado, con una propuesta más conceptual y que, Brothertiger, nos demuestra lo que es capaz de hacer.

Más de ensueño glo-fi a partir del estallido veraniego provocado por el chillwave del 2009 es lo que representa la música de Brothertiger. Temas como “Feel” y “Best-Thing Out Of Some-Thing” están repletos de brillantez melódica, tonos y voces confusas, todas empapadas de reverberación. Los productores Bedroom, tales como Hawk, Greene y Jagos son más y más asiduos hoy en día con la tendencia hacia la música electrónica que suena cada vez más lo-fi que hi-fi. El ep “Apache Feathers” es un ejemplo perfecto de este nuevo camino de la música, dondequiera que se encuentre, seguramente se estará escuchando.

Secret Shine - All of the Stars (2008)

2011-06-15T08:43:00.000-07:00

En febrero del 2004, después de estar inactivo desde 1996, el sello Clairecords relanzó "After Years" el cual estuvo disponible a la nueva generación, cercana al catálogo de todas las bandas nuevas anteriormente relanzadas en Sarah Records. Después de recibir elogios de la crítica, que le salió cual codazo de alerta para Secret Shine, para así recoger sus pasos olvidados que habían dejado estancados, empezar a hacer música juntos una vez más. La tragedia golpeó a la banda cuando el baterista Tim Morris murió después de un accidente en febrero del 2005; Éste acontecimiento consolidó el camino de la banda para honrar la memoria de Morris. Es así que grabaron Morris, un álbum acústico con ocho pistas bajo el brazo en mayo de 2005. Las ganancias fueron donadas como caridad a la entidad MSF donde trabajaba, y para seguir procreando Secret Shine en el camino que se les venía como brillo desde el jardín.

Probaron las aguas mediante la relanzamiento de dos EPs, “Elemental” (febrero 2006) y “Between Sea and Sky” (octubre 2006) con la impronta inglesa Razorblade. “All of the Stars”, sólo su buen segundo álbum fue lanzado por Clairecords. No podemos evitar el compararlos con My Bloody Valentine y Slowdive, pero aún así, la banda tiene su propia energía shoegazer bajo la vena. Es un aura dreampop en su mejor momento. Destacan la apertura de la pista "Voice of the sea", un poco gangoso "Café Crash" y "Hate You When You Smile ", que suena a veces como si pudiera ser una secuela de la canción más famosa que es "Loveblind". El acontecimiento de Morris que fue evidenciado, ayudó a atar y unirlos más aún a Secret Shine y, que permitió que la banda pueda realmente florecer en medio de un jardín que se tornaba oscuro.

Air Formation - Ends in Light (2005)

2011-06-14T07:57:00.000-07:00

“Ends In Light” es el álbum debut de larga duración por la banda de Brighton, Air Formation. Los 4 miembros hasta el momento han lanzado un disco auto-titulado y un mini-álbum en Drive-In Records. “Ends in Light” ha sido lanzado por Claire Records, sello con el cual lanzarán su siguiente álbum “Stay Inside/Feel Everything”. Si te fijas bien en la portada de “Ends in Light "después de haberlo escucharlo, usted encontrará que se crea una relación sumamente estrecha en el arte gráfico/visual y el aura que brinda cada pieza del disco. Una foto de un cielo azul con nubes cremosas y flotantes tiene el mismo espíritu cautivador como el de la música en el álbum.

'Take It Easy' se compone de un temblor de sonidos instrumentales, que dirige a través de la voz como un instrumento esencial en la pista; nunca se puede realmente discernir lo que la letra está dice o, en cualquier otro momento clave de el álbum, y cuando se mantengan en un nivel de igualdad con la elevación, pero aún así, se compone por borrosas melodías. "Other Ways Round 'mantiene fielmente el estilo airoso del resto del álbum. No es de elemento de facilidad en la música, en el que su fuerte sonido se absorbe fácilmente. La música se enfoca a la mitad del álbum a través de 'Still'. La puramente instrumental 'End in Light' cierra el álbum con un notorio eco eléctrico.

"Ends in Light" se puede interpretar, a pesar de su voz, como un álbum de concepto instrumental. La música se quita suavemente al principio, y luego te lleva a kilómetros de distancia; se desliza de un tema a otro. Al final desaparece con el más ligero movimiento. Air Formation ciertamente no podría haber elegido un nombre más expresivo en cuanto a su música.

Cut Copy - Zonoscope (2011)

2011-06-09T22:51:00.000-07:00

Durante una cena, filosofé con un amigo acerca de lo último de Cut Copy: Zonoscope; dijo que era éste uno de los mejores discos franceses (en realidad de Australianos) del 2011, una espectacular banda que nos recordaba a Joy Division, que combinaba de manera íntegra, sintetizadores, voces derretidas y con harto ánimo bailable. Zonoscope es un retroceso a 1980, al synth pop con vibras electrónicas postmodernas. Lo bueno conocer a esta banda es que, plantean nuevos sonidos, tomando como base la esencia new wave ochentera, fusionándola con un moderno pop electrónico, considerado muy influenciable el día de hoy en la escena musical. Así que, con Cut Copy, todo está oficialmente en el radar.

La primera sensación al inicio del disco, resulta ser un tanto escéptica, pero de modo que va in crescendo, va transformándose, cual oruga que se convierte en mariposa. En la primera pasada del disco, se evidencian algunas pistas brillantes como "Need You Now" trae de nuevo la bondad estrafalaria de la percusión auxiliar (es decir, más cencerros) con un sonido muy similar a Big Audio Dynamite, “Pharaohs & Pyramids" me remonta hacia una lluvia sintetizadores de los inicios de Depeche Mode siempre y "Corner Of The Sky" cala hondo, toca ese nervio medular a lo Sigue Sigue Sputnik. “Where I’m Going” como canción vivaz, muchas energías se desprenden desde esos gritos con altavoz a lo Devo. “Blink and you’ll miss a revolution” inicia con un ánimo tropical apaciguador y termina siendo una inevitable tormenta multicolor muy semejante Human League.

En términos generales, Cut Copy es una banda que fusiona sonidos, sueños y esperanzas, generando así un sonido original que vislumbra de ser tanto fresco como nuevo, en el camino y transición se van descubriendo más sensaciones, se pueden elegir y señalar frases como notas, que suenan inmersas dentro de una amplia gama de canciones de la época. La identificación de sonidos es la única cosa similar. Cut Copy actualmente se ubican dentro de una magistral palestra de nuevas propuestas. La música es atemporal y divertida, ¿no es así?

Com Truise - Cyanide Sisters (ep) (2011)

2011-06-07T23:53:00.000-07:00

El sintetizador retro-atari-electro-obsesivo hecho por Haley Seth es sin lugar a dudas, un proyecto básico en su forma pero procaz e ingenioso desde su fondo, muy de acuerdo a las necesidades adolescentes que vomitan en los últimos tiempos. Cuando Com Truise debutó en junio con un anuncio de descarga gratuita online de este mismo EP, alentado por un grupo incipiente de fans de Haley (los mismos devotos de Boards of Canada), formó una serie de guetos retro-empapados en las mezclas bajo la bandera del chillwave puesto en boga, junto a sus eventuales compañeros abanderados como Neon Indian y Twin Shadow. Truise, construido como un zumbido modesto, suficiente para ser notado por la gente del sello Ghostly. Remasterizado y re-empaquetado junto con cuatro bonus tracks nuevos, esta reedición marca el debut de Haley en el sello, e inmediatamente se ubica en primer plano como uno de los productores más interesantes y prometedores de la escena; una extraña intersección entre la nostálgica música computarizada de los 80, el funk y la electrónica.

Las influencias de Haley son tan indescifrables como la fuente de su seudónimo enrompecabezado, un caso en particular es por ejemplo, sería muy difícil para cualquier persona en escribir sobre este EP sin mencionar a Geogaddi de Boards of Canada como referente más cercano, dada la identificación del uptempo, trémolos momentos que se repiten constantemente, tracks arremolinados con la pulsación en el sintetizador en temas como "Tripyra" y "Sundriped".

Y, sin embargo, a medida que el ep se desarrolla entre el quemado brillo de "Slow Peels” dándose tumbos y tartamudeos, un paso progresivo de "BASF Ace", que apenas se siente como si importara; mientras que Cyanide Sisters muy claramente tira de los arquetipos en torno a música electrónica, lo progresivo y la nostalgia ochentera, embarcaciones sonoras que hace que sea difícil de negarlo. En otros momentos, como la guitarra clásica de "Norkuy" y la voz-dirigida en “Pyragony ", Truise a medida que va lo suficientemente lejos de las características que le sugieren, tiende a tener un montón de trucos bajo la manga. Según Ghostly, saldrá al mercado un disco de larga duración a finales de este año, por lo que no pasará mucho tiempo antes de que tengamos un mejor sentido de la trayectoria de Truise. Incluso si él acaba de guardar este sentido particular de hacer músoca, sin embargo, pienso, que él estará mejor que la mayoría.

Panda Bear - Tomboy (2011)

2011-06-07T08:18:00.000-07:00

Si hay algún registro que se debe pagar como una garantía de audio de calidad, Tomboy por Panda Bear, de Animal Collective es el más indicado. Hermoso disco, lleno de sutilezas que podrían perderse en una apática transferencia digital. Sin esas sutilezas, Tomboy, el álbum más enrarecido en los últimos tiempos, estaría muy cerca de dejar de existir.

Esto es una vergüenza, después de seguir el caleidoscópico Person Pitch, que dicho álbum no fue tan bien calculado, pero allí, Panda Bear (Noah Lennox) no hizo compromisos, el ánimo tuvo dimensión y color, pero cambió todo por un capricho, por un Tomboy. Lennox aclaró como una opción viable y distinta, con mucha identidad artística, y no sólo se vende como un comerciante de los excedentes creativos, sino como proyectos que se espera que sean.

Tomboy, sin embargo, no es tan gratificante como se esperaba, pero hay que esperar de todos modos, esa visibilidad en la gran expectativa por el liderato titular único que se describe como "la ruptura del mantenimiento de un estado de ánimo", es decir, la no monotonía; lo cual no quiere decir que mantener el estado de ánimo es aburrido por defecto. Las 11 piezas son el estado de ánimo de Tomboy, sin embargo, y aparentemente de manera deliberada.

La placa se inicia como una fanfarria de hojalata directamente de una canción metal escandinava, que se une casi inmediatamente por uno de los vibrantes sintetizadores, que se suelen reservarse cual caja de sonidos en las decoraciones de Halloween. Todo esto es una tomadura de pelo grande, Los ánimos con remilgos, los altibajos, y las caídas al vacío en cada track.

Ahora, la incertidumbre con los ojos abiertos en Person Pitch estará nuevamente rondando, Panda Bear en realidad no parece que "sabía que tenía un buen momento para cada disco" pero en Person Pitch, sus inseguridades juegan deliberadamente en la panorámica tela de sus sueños. En Tomboy, sin embargo, cerca de la mitad del disco es para espabilarte, estar despierto en la cuerda floja, capturado entre la vaguedad del sueño y la actitud defensiva de la vida en vigilia. Noah dijo en una entrevista dada a un blog alternativo: “Este tipo de ambivalencia obstinada hace para la gente aburrida y frustrante se aleje de parámetros musicales y conciba en abrir más los oídos ante el vacío inmerso en la “escena musical”.

Beach Fossils - Beach Fossils (2010)

2011-06-06T00:35:00.000-07:00

El invierno en una ciudad gris como la nuestra no es precisamente la ubicación más glamorosa o ideal para pasar la temporada. La ciudad palidece en comparación a otros territorios aledaños, con poco entusiasmo que habita en los alrededores se torna decante y frío; el océano es una idea de último momento, a menos que sea un poco extenso de viajar hacia allí, es el último recurso que nunca falla. El verano ha terminado, el frío y los fósiles marítimos han llegado y, a su vez, el debut de la temporada tan esperada, y Beach Fossils consigo, las olas del mar trajo.

El disco auto-titulado Beach Fossils además, es en todo sentido un testimonio fiel de la temporada en boga, desde la portada del álbum hasta el último acorde, es la ironía y paradoja de un verano gris, de un invierno soleado, de una primavera marchita, de un otoño resplandeciente. La guarnición de títulos como “Vacation”, “Daydream”, “Lazy Day”, evidencia un garage, surf-rock y lo-fi aletargado, denso y con lluvia de ecos infinitos. Sus himnos típicos como “Sometimes” o “Wide awake” que te transportan a una playa congelada, a una lluvia inminente, a una escalofriante soledad hecha música, no sino basándose en un deliberado ambiente relajado y un atractivo mínimo emergente.

El responsable Dustin Payseur genera sonidos como si se ha ahogado en la reverberación y la distorsión, que proveen de un susurro infidente como Joy Division, The Jesus And Mary Chains a manera de influencia como es notoria entre sus graves. Dicho esto, Beach Fossils se ha deliberado como uno de los álbumes más interesantes del año pasado 2010, una salida al registro de los deseos de temporada. Beach Fossils ofrece una ruta de escape a los oyentes actuales en la ubicación con la playa fría, para aquellos que no residen a lo largo de ella. Un disco terriblemente tarareable, recomendable, indispensable en cualquier despensa fría para la temporada.

The Pixies - Doolitle (1989)

2011-06-03T23:08:00.000-07:00

Con más de dos décadas de impresionante influencia a su paso, me atrevo a preguntar: ¿es Doolittle el mejor disco pre-indie del 89 jamás hecho? La lista de bandas que tienen una genuflexión con su guitarra, voces y gritos radicales, cambios dinámicos, es amplia, así como las ya conocidas: Nirvana, Foo Fighters, Pavement, Radiohead, Spoon, The Strokes, TV on the Radio ...básicamente, la definición de los actos de los últimos 20 años.Quien más podría ser el responsable de tan majestuosa producción, si no del sello 4AD que en la actualidad se ha catapultado como una casa meramente independiente que ha sabido mutar a manera de simbiosis de sonidos, ambiciones y sueños: Doolitle fue y es un sueño latente, brillante, clásico simplemente.

Incluso hasta para el más crítico conjunto en exquisitos sonidos, juzgaron de manera honrosa al segundo gran álbum de las leyendas de la música de The Pixies estrictamente estandarizado como “un clásico de todos los tiempos", es imposible no quedar atrapado en su casi constante emoción. Inicia con un destello vociferado "Debaser", un himno rock universitario que forjó el modelo para las millonarias de ventas de "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana. Doolittle removió a manera de rueda imparable, la energía maníaca y actitud incontenible.

A veces, de hecho, el Doolittle puede parecer un poco como escuchar un álbum Greatest Hits. Toda la carrera podría ser en torno a la creación de una sola canción tan grande como "Here Comes Your Man" o "Silver" o "Mr. Grieve" o "I Bleed" o "Wave of Mutilation" o "Monkey Gone to Heaven". Pixies cargan un álbum entero, muy conciso y con mucha energía sincera totalmente chorreada en las 15 canciones que lo comprenden, sin tregua, sin descanso. Es como la versión alternativa de Thriller-rock, o algo así. Clásico. Fascinante.

MillionYoung - Replicants (2011)

2011-06-02T23:34:00.000-07:00

¡Oh por dios! ¡artistas chillwave! ¿No pueden hacer que su música sea un poco menos ... fría?

Cuando el género chillwave inundó la escena de la música indie en menos de dos años, nos encantó su sonido deliciosamente brillante, paisajes oníricos que, oh-tan-deliciosamente capturó y filtró una estética brumosa, cálida y a la vez agradable al oído y calmante para el alma. Los tiempos están pasando rápido y, sin embargo, con la cantidad de nuevas propuestas que piden a gritos ser escuchadas, parece que ya era la maldita hora para que los artistas pioneros con su base en Florida. Millionyoung dió un bonus y lleva el género en alguna parte más emocionante, no será sorpresa que guardan cada vez un estilo nuevo en la bóveda, siempre se percibe un paso más sobre el escalón y con tendencia en corta duración.

La pregunta es, entonces, ¿Millionyoung podrá con Replicants el reto de ir más allá de la novedad, entremezclarse entre 70 y 80 capas de sintetizadores con un plus de voces filtradas, añadiendo algo nuevo a la mezcla y poniéndose en marcha una evolución de ese tipo? ¿O simplemente dejar que las cosas se allanen e ir produciendo lo mismo en el género popular, manteniendo así la más segura (y más aburrida) ruta? Desafortunadamente, para la mayoría de sus Millionyoungers, su nueva placa ofrece una decepcionantemente pequeña cantidad de la innovación, eligiendo en su lugar a la pereza, y se disfruta una colección totalmente reciclada, con un sonido particular en las canciones que es muy difícil de prestar atención (pero muy fácil de tomar una siesta).

Del mismo modo, ofrece una visión deslumbrante y potencial de Millionyoung para diversificar una línea y estilo muy personal dentro del género, para convertirse cada vez más en textura. "A veces la diferencia / es tan difícil de encontrar." Claro que lo es, Millionyoung.

The Babies - The Babies (2010)

2011-06-01T23:36:00.000-07:00

El éxito moderado de Vivian Girls fue objeto de mucho descontento exclamado desde varias aristas del rock underground; una burla inmerecida. The Babies, banda con dos ep’s bajo el brazo, fue lo suficiente para cimentar la plataforma para esta nueva producción que reúne una sólida mezcla entre garage y shoegaze doméstico a lo Hüsker Dü. El sonido de The Babies es comprensiblemente atractivo y encuentra una manera procaz y genuina de conectarse con su audiencia sedienta. Para oponerse a la velocidad a la que se le ocurrió lanzar el disco, parece igualmente extraño, el aumento de Vivian Girls es su línea de género, inmersos en la industria de la música y, cada vez más en torno o cerca del acceso instantáneo a la producción. Con la trayectoria típica de una banda de aspirantes que se aceleró de trabajo en años y esfuerzo a un asunto de meses, Vivian Girls los está buscando como veteranos después de menos de cinco años juntos.

La primera placa de The Babies, publicado con el sello Shrimper, logra esbozar sonidos de ambas bandas, gracias a unos toques inesperados de rock 'n' roll, lo(w)-fi y chispazos punk. Mientras Mörby informa ser el responsable y compositor (a diferencia de Woods), canciones como "Run Me Over" y "Sunset" dividen la diferencia entre el más sinuoso de Woods. Una inocente “All The Things Come to Pass” nos dibuja que la adorable tendencia surf de los 60’s en Norteamérica aún permanece latente. The Babies tiende a lo-fi y folk-pop a diferencia de Vivian Girls. Deberes vocales permanecen divididos, con pie a la voz de Ramone, lleva a cabo a través de su entrega con encantos nasales y la capa necesaria de reverberación. Aunque ni Woods ni Vivian Girls sería descrito como un exceso producido, hay algo en particular, que prima en The Babies y que los distingue: una calidad desigual, un flujo diferente de energías, voces y electricidad garaje decadente, que lo hace, entrañable.

Yuck - Yuck (2011)

2011-06-01T01:21:00.000-07:00

No hay que ir demasiado lejos para escuchar música que no obedezcan condiciones ambientales; tu dormitorio adolescente puede tener tanta o más influencia musical como el clima o el paisaje. Como el prosaicamente llamado Yuck, banda cuyos guiños de guitar-pop es tan yanqui como el pastel de calabaza. Ellos incluso han grabado para el sello Fat Possum! Y, sin embargo, son las tres quintas partes del aura británica (Jonny el baterista es de New Jersey, el bajista Mariko de Hiroshima). Pero sólo cuatro geniales segundos del opening de Get Away evoca una energía retorcida y una fiebre incontenible en el pedaleo tan o más que Freak Scene de Dinosaur Jr. Seis segundos después de la operación dará lugar a húmedos recuerdos de adolescente: Teenage Riot de Sonic Youth como fuente de inspiración que evidencia una inefable experiencia; Se aclara así que esto no es un defecto, porque Yuck se vislumbra en ser la única banda en torno a llegar a estas piezas olvidadas del cerebro. ¿Cómo hemos estado tan hambrientos de sonidos en tantos años?

Afirman que, sus influencias reales y palpables son Pavement, Sparklehorse y Red House Painters, por lo que podemos esperar una idea emocionalmente oblicua, los ángulos de la astucia, capas para la música de Yuck. Al igual que siempre y cuando no deshacerse de su capacidad para hipnotizar tanto a los puntos fuertes del rock, ellos aún, de manera integra y quejumbrosa, sonarán bien.

Yuck - Get Away from Yuck on Vimeo.

Toro y Moi - Underneath the Pine (2011)

2011-05-30T23:35:00.000-07:00

Inconformismo chillwave de Carolina del Sur, Chaz Bundick más conocido como Toro y Moi, es un desenfadado evocador de sonidos, una versión moderna del soul-pop de inicios de los 80’s. En este su segundo trabajo: Underneath the Pine, Bundick se centra y acurruca en un soul-funk más profundo, denso y ambiguo que lo hace más delirante al mismo tiempo, un perfecto conjuro de la era post-disco. En su mayoría, Bundick pone énfasis en que este es un trabajo muy intuitivo pero jamás predecible. Cada beat te sintoniza en un submundo nublado y paralelo sin lugar a duda. En otras palabras, es un disco que un artista emergente como Bundick espera evitar: una creación totalmente inolvidable. Cabe destacar que el problema en catalogarlo no va tanto con el estilo de Bundick (denso, soñador, distractor, apaciaguador) es su estricta y excesiva manera de añadir elementos y líneas densas entremezcladas con órgano, batería, voces altas y bajas, que hace que el sonido tenga una atmósfera nocturna de habitación, un jam-session (léase y escúchese el primer track: Intro chi chi)

Por desgracia, escuchar temas como “Still Sound”, “How I know”, “Go with you” y “New beat” de manera sucesiva, confirma que Bundick simplemente no tiene mucho por hacer o trabajar junto a su caja de pandora ya antes evidenciada. Todo se retorcía y, en el peor de los casos, podría sonar aturdido y hasta sin sentido, con poco en el camino de una identidad detrás del sonido. A pesar de la calidez sobresaturada de Underneath the Pine, es un disco frío, un arquetipo de la maestría técnica y del género de culto que prevalece sobre el arte de una voz individual. Como resultado, Bundick a menudo no suena como un artista, pero la fusión de todo digno movimiento, esclarece y da la idea y el estilo, cuasi tomado y reorganizado, de un rostro que no puedes olvidar.

Nowhere Soundtrack - Various Artists (1997)

2011-02-07T20:34:00.000-08:00

Tan trashy como placentero, es ver una lata de Campbell’s siendo usada como martillo sobre la cara de un patético personaje de película de serie-b y, escuchar al mismo tiempo, interludios etéreos, con escenarios descoloridos y sueños totalmente destruidos. Esa es, de alguna manera, la idea de Nowhere: La desenfrenada y frustrada escena adolescente norteamericana de los años noventa, inmersos en una cultura pop que se entendía sumamente vacía, sin sentido, o como diría el título, que va a ningún lugar. Nowhere es una película pensada en la decadencia juvenil, en las drogas como salto al vacío, en la ambigüedad sexual como ideal común, en los vacíos infinitos. Una vez más, y parar variar, Gregg Araki (responsable de The Doom Generation y The Living End) logró catapultarse en ser un maestro en engendrar un compacto soundtrack con grupos no comerciales para aquel año; y esto, según la revista Spin de 1997, catalogó al soundtrack de Nowhere como un conjunto, como un todo, como un mundo caleidoscópico, como si cada segundo del álbum estuviera milimétricamente pensado para cada escena o momento de la película. Además, lo que hace más variopinto al disco es la versatilidad que tiene por combinar géneros como techno, rock alternativo, noise, electrónica y dream pop. Cabe resaltar a grupos como Lush, Catherine Wheel, Massive Attack, James y otros más (hasta algunas que no aparecen en el disco como The Future Sound of London o Cocteau Twins) brillan de manera única, evocando siempre a la decadencia, a los ácidos que se escurren por los poros y la inminente sensación de estar perdido en una ciudad podrida.

Esta es la lista COMPLETA de canciones que aparecen en el film. Toda es una obra de arte.

http://www.what-song.com/movie/title.php?Title=Nowhere

Depeche Mode - Sounds of the Universe [2009]

2009-04-09T18:57:00.000-07:00

Si es que es sin duda, una de las bandas que han durado un cuarto de siglo de manera brillante. Pocas bandas como Depeche Mode (tal vez U2 también, pero es otro terreno) han podido calar hondo con los corazones de diversos melómanos amantes por el pop, lo alternativo y la vanguardia musical. Y es que hablar de ellos y su trayectoria es tan, pero tan amplio, que con un par de líneas, jamás definiría la esencia real y variopinta que han cargado en su estandarte durante mucho tiempo. Pero para refrescar mejor el panorama de este nuevo año, es bienaventurado la espera de “Sound of the Universe”, álbum que saldrá a la venta a finales de abril de este año. David Gahan y compañía no han podido elegir mejor nombre y mejor época para lanzar un álbum tan o más esperado que los anteriores trabajos: después de la clave reinvención de sus géneros por el rock electrónico que subyace desde “Exciter” en adelante. Un álbum totalmente ambicioso, cargado de estridencia, ensamblado de manera inteligente. El disco, en su totalidad, concibe la recopilación de sonidos en un solo trabajo. Engendra y procrea una caleidoscópica fusión de géneros. Es evidente los cortejos entre el “Ultra” (1997) y “Songs of Faith and Devotion” (1993) basados en guitarras intensas e incesantes, con un susurros electrónico imprescindible que nos ilustra la cereza en la torta. Chispazos minimalistas, muy adecuados y pertinentes que envuelven a la estridencia innata de los Depeche. “Wrong” es una inimaginable pieza importante para el lanzamiento del disco. Dura, irritante, casi un latigazo cargado de poder. “In Simpathy” pista que nos esclarece esa nueva (aunque no tan nueva) aura ecléctica y fresca que los rodea. ”Peace” o la acuchillada en el alma, que forja inexorables gritos gloriosos a los cinco vientos, exclamando lo bella e inmortal que puede ser su música. Se hace orgásmica e infinita la voz de Gahan a dúo con Gore. Quizá, una de las piezas mejor logradas. “Jezebel” eterna melodía apoderada por la incomparable y seductora voz de Martin L. Gore que logra apaciguar un maremoto de canciones que no han hecho más que electrizarnos e hipnotizarnos. Gahan, como siempre, ha logrado alegrarnos el año con un renovado trabajo que nos llenará y embelesará como siempre ha logrado hacernos. Durante un tiempo más, sin lugar a duda, tenemos Depeche Mode para un buen rato más.

Sneaker Pimps - Becoming X [1996]

2009-03-25T08:23:00.000-07:00

Una de las principales venas que tiene este escritor por la música, es la de escribir acerca de un género musical que él, particularmente, le fascina: trip-hop. Y más allá de hablar de bandas como Massive Attack o Portishead, dos grandes representantes del movimiento “bristoleano” que ido catapultando éxitos de vanguardia, es casi un honor arrodillable el de hablar de Sneaker Pimps. Aunque ellos no tuvieron la cabida necesaria dentro del movimiento underground electrónico de los noventas, se ha convertido en la actualidad, como unas de las bandas influeyentes de la actual escena moderna electro-rock. Sneaker Pimps no es más que el proyecto posterior a “F.R.I.S.K.”, ex banda de Chris Corner y el tecladista Liam Howe; quienes con bases fundacionales de Kraftwerk, Shirley Bassey y Afrika Bambaata, han logrado ensamblar asombrosos sonidos que deambulan entre el trip-hop inglés, el rock setentero y la electrónica minimal. El primer álbum fue primordial para ubicarse entre los favoritos, siendo catalogada Sneaker P. una banda más entre las creadoras de música “moderna” en los noventas. “Becoming X” logró hasta el momento un gran éxito aplaudible entre los nuevos valores del rock electrónico y trip-hop inglés. El disco contó con la participación como voz principal de Kelly Ali, incomparables cuerdas vocales, como en el clásico que no dejará de sonar en nuestro imaginario sonoro como “6 Undeground”, la cual se ha convertido en una evidencia clara de lo que significó los avances y movimientos modernos de la música. “Spin Spin Sugar” electrizantemente oscura, intensa e incisiva melodía que no hace más que ponerte los cabellos erizados y la piel de gallina. “Low Place Like Home” batería básica, guitarras estridentes y agudos arreglos que ejemplifican un interesante juego entre la sensual voz de Keli. “Ho Do” triste y añorante; la balada imprescindible que nos ha hecho soñar despierto durante muchos años. Entre estos y muchos otros logros, han conseguido que “Becoming X” pueda cambiar un tanto el panorama de la música en Inglaterra, tanto así que, el surgimiento del trip-hop en el mundo, ha perfilado que las vertientes eclécticas por los gustos musicales se amplíen hasta dimensiones insospechables. Cabe mencionar el apoyo de la voz de Keli en el disco como ningún otro, ya que en el año 99’ se lanzó “Splinter” (en donde ya no participa Ali) el cual no obtuvo mayor éxito que el primero, pero esa ya es otra historia.

Dato clave:

La balada “How do” es un cover de Willow’s song interpretada por Britt Ekland, canción que aparece en el film The Wicker Man (O “El Hombre de Mimbre”) en el año 1973.

Descarga completa

Röyksopp - Junior [2009]

2009-03-18T10:10:00.000-07:00

Hoy me levanté y me dije: Hay que iluminar el día, pincharé algo que alegre la mañana y que brille más que el sol soberano que no quiere irse; Y sí, no existe mejor banda que Röyksopp como para embellecer cualquier situación decadente matutina. Después de hurgar entre mis últimas descargas, me había constatado que aún no le había dado vuelta completa a uno de los discos más esperados del año. Aunque su nuevo disco saldrá a la venta recién este 23 de marzo, “Junior” ya ha estado colgado en la red desde hace un par de semanas atrás. Desde Noruega, el dúo más innovador de la escena electrónica, conformado por Torbjørn Brundtland y Svein Berge, tras cuatro largos años de aletargada ausencia, han vuelto recargados, manteniendo siempre ese matiz pop chill-out imprescindible con que hacen honor a su música. Luego de sus dos categóricos éxitos con “Melody A.m.” (2001) y “The Understading” (2005), ha nacido un álbum mucho más ambicioso, optimista y con un sinfín de sonidos que juegan y procrean una hermosa y renovada producción. Como bien lo han dicho anticipadamente, “Junior” es un trabajo exhausto, muy bien pensado y con el que quieren escalar más allá de la cima, hasta llegar a espacios insospechados. El álbum empieza con la reflexiva y bienaventurada “Happy Up Here”, una lúdica y divertida expresión para las pistas de baile, como para saltar entre luces de colores y globos que caen del cielo; quizá, sea ésta la continuación o segunda parte del primer clásico “Eple” (Melody A.m.) por los chispazos electrónicos sutiles que suenan constantemente y que se enganchan a tu cabeza. “The Girl and the Robot” beats clásicos y en loop, adecuada para cualquier dancefloor; con la colaboración muy oportuna de la superestrella sueca Robyn que ayuda a agilizar la sintonía. “Miss It So Much”, atmósferas pop, entre reminiscencias synth-pop y lo electrónico crean una fusión fascinante, esta vez con la dulce voz de Lykke Li. “This Must Be It” con un evidente pop nórdico, nos recuerda esa esencia clásica del dúo por catalogarse con un sonido ecléctico y vanguardista; y en esta oportunidad, con la voz inquietante de Karin Dreijer Andersson, integrante principal de The Knife (y ahora con su individual Fever Ray), pertinente e indiscutible participación. No ha quedado duda que, Junior se ha convertido en un fragmento juvenil para el dúo, en un producto con una energía inquietante, totalmente imberbe y con ánimos de nunca detenerse en el camino.

Dato Clave

Según un artículo publicado por la revista Music Remedy, Röyksopp mencionó que el concepto de “Junior” se hará más claro, cuando salga el siguiente álbum “Senior”; de lo mencionado, aún está en duda, si algo tiene que ver con el -otro- dúo pop danés “Junior Senior”.

Si quiere ver una hilarante entrevista:

http://channelbee.com/move/music/music#2392

¡Descárgate el album pero ya!

Snow in Mexico - Snow in Mexico [2007]

2009-03-17T16:08:00.000-07:00

Se imaginan ustedes, pensar ¿si un día México, siendo éste un país muy colorido en su amplia cultura y que en su mayoría de veces, tiene un clima aceptable y moderado, llegue de pronto la nieve para siempre? Es la idea que surge al leer el nombre de esta banda, muy peculiar e interesante por cierto; el hecho de imaginar que en un lugar fresco y caluroso, irremediablemente se llene de frío irritante, densidad gelatinosa y una tristeza infinita, lo cual nos hace tener una imagen casi chocante, pero al mismo tiempo, profunda. Snow in Mexico son Andrea y Massimiliano, un dúo italiano que desde el 2003, no ha hecho más que intentar sumergirse sutilmente en las campos del shoegaze, siempre tanteando en diversas bandas, tratando de descifrar su esencia, la que ahora ha nacido en su disco homónimo a finales del 2007. Como bien afirman en su myspace dedicado a los pocos, pero fieles seguidores: durante muchos años, se han ido alimentando de diversos géneros como bandas, tales como Bethany Curve, Ride o Urlich Shchnauss entre otros, que han servido de evidente influencia para moldear mejor su trabajo y elaborar una sintonía personal. Se dice que, en sus inicios, apoyaban a The Radio Dept. en la batería y arreglos, pero que sin embargo, surgió una antipatía entre los integrantes de la banda, así que prefirieron apartarse. Encerrándose en la habitación de Andrea, con sintetizadores y una guitarra, lograron sonidos electrónicos sutiles, de ensueño, con aproximaciones al dream pop y shoegaze. El EP homónimo contiene cuatro invaluables canciones que, estoy muy seguro, ayudan a darnos indirectamente, una sospecha a lo que vendría a ser su mejor álbum debut. “Ride” quizá sea la mejor canción lograda. Majestuosa obra de arte, corrosiva como una pesadilla, pero delicada como una joya. “Velvet” imprescindible para escucharla, esperanzadora caja de ritmos pop, serena melodía para relajarse y flotar. “Cinema 5010” se transforma en un puente para la milagrosa exploración hacia lo desconocido, guitarras que se derriten y una voz que trata de explorar entre lo real y lo subnormal. Y es que, no hay nada como escuchar esta música, para transformar nuestro espacio y lo que vemos alrededor, como Mexico, que nos hace visualizarlo lleno de frío, a la penumbra, cubierto de nieve y con una energía enternecedoramente triste.

Si quieres descargar el EP, entra a:
www.snowinmexico.com
¡y a disfrutad!

Dato Clave:

“Snow in Mexico” es el nombre de una canción de Mark Gardener, ex vocalista de la transgresora banda Ride, y “Ride” es -a mi parecer- la canción mejor elaborada por “Snow in Mexico”. Saturante influencia.

Soundpool - Dichotomies & Dreamland [2008]

2009-03-12T07:39:00.000-07:00

El sábado pasado una amiga me comentaba que le gustaría colocar música a todo lo que ve a diario, pero yo pienso o siento distinto: la música me hace crear imágenes. Muy pocas bandas he visto que hacen el juego audiovisual a base de su repertorio en sus performances, una evidente muestra es Soundpool, quienes a partir de su música, juegan con imágenes, colores, videogramas, todos ellos alucinantes, en casi todas sus presentaciones, y lo interesante es el intención de lograr un efecto más lúdico e interpretativo de lo que se escucha. Kim Field, líder, vocalista y fiel amante del shoegaze, es la que dirige a Soundpool junto con John Ceparano (guitarra y voz), Mark Robinson (teclados) y James Renard (batería) quienes con poca trayectoria han logrado acaparar la escena Newyorkina con un renovado trabajo prometedor. “On High” (2006) fue el primer y muy bien comentado primer álbum que los llevo a ubicarse como uno de los discos más escuchados y con mejores críticas durante ese año. Aunque su sonido nos lleve a eticketarlos como noise, shoegaze o dream pop, ellos hacen hincapié en que son: audiovisual-space-rock, ya que su pasión en escena es la de llevar un presentación audiovisual dentro de un mismo espacio, casi como una performance audiovisual de galería de arte. Entre las influencias evidentes nos traen a la memoria a Colour Kane, My Bloody Valentine y Slowdive, quienes han servido de inspiración para perfilar sus dos primeros trabajos. “Dichotomies & Dreamland” fue lanzado el año pasado con gran augurio por parte de los amantes del género, y en poco tiempo, canciones como “Welcome to Dreamland” (espectacular para introducirnos a un mundo de sueños, como dice) o “Do What You Love” los catapultó como un disco de culto al finalizar el año. Las vibras mágicas se sienten en sus teclados casi infinitos, la tierna voz de Kim no es más que un eco ininteligible que nos resulta inexorable dejar de escucharla. “Lush (What Becomes You)” dulces teclados inofensivos y caja de sonidos que embellecen pero que al mismo tiempo entristecen el panorama. “The Divides of March” corrosiva y perturbadora, vinilos desgarrados, escenarios que se desmoronan. “Dream Sequence” sendero interminable, pausado, pero con energías bipolares que cambian constantemente de ánimo. El álbum es un pretexto más para volver a los géneros ruidosos ahora llevados por novedosas bandas que han logrado un extenuante y peculiar reinvención, como Airiel, Air Formation o Panda Riot, quienes junto a Soundpool, mantienen latente el alma shoegaze que cada vez resulta menos olvidado y mejor elaborado.

Descargar disco

The Mary Onettes - The Mary Onettes [2007]

2009-03-09T19:15:00.000-07:00

“¿Aló? ¿Ahora si me escuchas? la banda se llama da-meri-onets!, bájatela pues, ¡está paja!.. ¿Las Mari-onetas?” Me dijo un amigo al tratar de descifrar la banda que le había recomendado por teléfono para que se la descargue en el acto! Sin embargo, aún queda en estado discutible si el nombre de la banda tenga tangencialmente un significado literal de “las marionetas” o algo parecido; pero el meollo del asunto es que su bestial sonido oscuro e integro está resonando por toda Suecia y desbordándose en casi toda Europa. Las tierras escandinavas últimamente andan con viento en popa, cosechando asombrosos productos sonoros -menciónese a los honorables The Radio Dept. como indiscutible ejemplo- todos ellos con actitud y un espíritu vivo. Son cuatro los responsables de The Mary Onettes, pero es Philip Ekström quien lleva la batuta como líder y principal productor; A pesar que a sus inicios no lograron ubicarse dentro de la escena sueca, han tenido que probar y cambiar su sonido de diversas formas, con el fin de hallar el verdadero motivo por el cual seguir. Luego de haber lanzado su primero disco homónimo diríamos: ¿Cómo catalogar su sonido? Las brújulas intuitivas nos guían hacia un gran abanico de géneros y -sobretodo- bandas que han servido de influencia incisiva para poder procrear un trabajo variopinto, cargado de emociones, sueños y tristezas, pero con aspiraciones a volar lejos. New wave, post-punk, shoegaze y noise pop, fundamentos luctuosos y decadentes: “Slow” se escuchan baterías ochenteras a lo The Church y puedes caer hipnotizado al escuchar reminiscencias de la voz de Ian McCulloch (Echo and the Bunnymen). “Laughter”, sinfonía aletargada, se siente un sendero interminable, fúnebre, o al estilo que siempre amó Ivo Watts para el imponente This Mortal Coil. O también “The Companion” la fuerza mayor del álbum, no es mas que una mezcla caleidoscópica entre lo lúgubre, el pop clásico y los sintetizadores vanguardistas, toda una simbiosis muy sugerente. Y “Under the Guillotine” impecables ritmos armoniosos y guitarras que emulan indirectamente a Dreams Never End de New Order y esa voz irregular que no hace mas que flirtear con Robert Smith. Es imprescindible mencionar que, la actitud de Mary Onettes por la reinvención de sonidos que marcaron un hito en la música de los años ochentas, sirvieron para producir un trabajo pensando, con miras futuristas y con un ánimo versátil y apasionado de hacer lo que mejor saben hacer: música para nuestros oídos, para perdernos en el incierto, o para nunca despertar.

Dato clave

A pesar de la notoriedad de las influencias ochenteras que tiene la banda, ellos han dicho públicamente que son amantes fieles a The Stone Roses, y diversas bandas de inicios de los noventas.

[Descarga el album haciendo click en la portada del disco]

School Of Seven Bells - Alpinisms [2008]

2009-03-06T20:22:00.000-08:00

¡Steve Lovejoy es tú culpa! Ya que él, un amigo de California, me hizo una de las recomendaciones más importantes -y muy oportuna por cierto- de los últimos tiempos. La verdad, era ya tiempo que no escuchaba a una banda que tenga influencias innatas de bandas tipo shoegaze con reminiscencias dream pop y con peculiares destellos electrónicos, con un acabado muy vanguardista y fresco. Pues School Of Seven Bells, no es más que la unión de dos bandas tipo underground de New York: Benjamin Curtis, ex guitarra de Secret Machine y Claudia y Alejandra Deheza, hermanas y gemelas que formaban On! Air! Library! Los tres integran School Of Seven Bells, o simplemente llamados, “SVIIB”. Si bien se dice que son los hijos perdidos de la 4AD (o en todo caso, los nietos no reconocidos), ellos mismos han asentido a que su música es una mezcla inteligente de diversos géneros ochenteros y poperos. El sonido inicial que forman sus sintetizadores, guitarras y demás detalles minimalistas, son acompañados de letras abstractas y con voces angelicales y etéreas (o sí, tipo Liz Fraser), produciendo una atmósfera cálida, fresca e interesante. Previo al lanzamiento, se editaron ep’s: “Face to Face” & “Silent Grips” los cuales tienen versiones bizarras de las originales y que hacían las veces de premonición para lo que vendría: “Alpinisms” fue lanzado oficialmente en el 2008, producto engendrado por el sello Sonic Cathedral, el cual ha incubado diversas bandas de géneros nosie, pop y alternativo. “Iamundernodisguise” rítmico inicio, voces que se entremezclan y sacuden al oyente. “My Cabal” casi una emulación perfecta de alguna canción perdida de Cocteau Twins, perfecta, dulce. “Half Sleep” secuencias electrónicas armoniosas que se pierden al unísono. “For Kalaja Mari” pausada sinfonía enternecedora, es como si His Name Is Alive se hubiera incrustado entre las cuerdas. “Wired of Light” aquel sonido noventero imprescindible e influenciable es evidente, caja de sonidos en loop, guitarras leves y exactas. Es importante destacar la creación y fusión de elementos musicales y las diversas influencias que cada uno tiene como aporte a crear algo novedoso, un pop contemporáneo, ecléctico y vivo. En definitiva, los SVIIB quieren escalar alto, Alpinisms se ha convertido en poco tiempo en un álbum básico e importante; sobre todo para los coleccionistas que quieren escuchar algo novedoso y futurista. Es menester tenerlo y darle vuelta.

Datos Claves:

“Alpinisms” tiene una versión de “My Cabal” versionada por Robin Guthrie, ex guitarra de Cocteau Twins.

¿Qué significa School Of Seven Bells? Se supone que el nombre rinde homenaje a una escuela de carteristas andina.

Fever Ray - Fever Ray [2008]

2009-03-02T15:00:00.000-08:00

Una de las manías que tenía cuando era niño, era la de grabar en una cassette mi voz, la de mis hermanos o los ruidos de la casa o de la calle, y volverlos a escuchar; sin embargo, lo que quería era modificar la voz y crear otra nueva, y repetir y repetir para volver a escuchar. Muchos años después, logro hallar a Fever Ray, que quizá sea la máxima expresión en rediseñar y reelaborar las voces que entran por su micrófono y que salen por nuestros audífonos. Desde Suecia llegó Fever Ray, el proyecto en solitario de Kari Dreijer Andersson, vocalista del grupo The Knife, quienes tras una extensa gira mundial (de la que nunca llegaron a Perú L) y su evidente y rotundo existo de “Silent Shout”, decidieron hacer un alto para tomarse un receso. Y fue ésta la oportunidad para que Kari pueda engendrar su primer trabajo como solista, tan o más oscuro que The Knife. Desde el primer hasta el último track, se puede sentir una energía voraz, lúgubre que te va casi carcomiendo de a pocos. Sonidos minimal y básicos es lo que prima durante este nuevo viaje que emprende Kari, una combinación increíble entre las bases electrónicas y digitales con instrumentos tradicionales como guitarras solas o congas africanas que moldean una estructura dramática incontenible. El primer single lanzando es “If I Had a Heart”, desde ya se siente esa pulcritud atinada en las letras, muy precisa y corta, como a Kari le encanta crear. “When I Grow Up” ese grito melódico, desbordante y -sobretodo- desconfigurado con el tono de voz de Kari, todo un clásico en The Knife y un ahora éxito en Fever Ray. “Triangle Walks” indomable como luminosa entrega; O también “Concrete Walks” la que, a mi opinión, es la mejor canción del disco, con tan sólo dos simples sonidos que se pierden en el incierto y que te llevan a situaciones insospechadas y la voz deforme de tipo hombre-mujer, ambigua e indescifrable, simplemente fascinante (hasta casi excitante). “I’m Not Done” que según fue la última canción que escribió Kari, transmite esa idea literal del título, esa inconclusa elaboración, o esa gesticulación deficiente que evocan las letras y que, aunque el resto de canciones transmitan tristeza y depresión, ésta es mucho más intensa y llena de vida. Sin duda, la grandeza de Fever Ray va creciendo poco a poco, los proyectos que llevan a cabo Kari junto a su hermano Olof Dreijer (The Knife) cada vez se vuelven más interesantes. No dejemos pasar por alto este disco, otro más a la colección.

Datos claves

El proyecto Fever Ray llevado por Kari Dreijer Andersson fue doblemente engendrado, ya que fue escrito en 9 meses, tiempo que llevó también para gestar a su bebé.

"When I Grow Up" es un fantástico video dirigido por el genial Martin de Thurah.

Cut Chemist - The audience’s listening [2006]

2009-02-27T17:31:00.001-08:00

Hace ya algún buen tiempo le dije a Alejandro: Me gustaría hacer un video con esta canción, escucha! sonaba “The Garden” una canción que no se lograba discernir entre algo electrónico, bossa nova o hip hop, era una mezcla mágica le dije. Tan sólo hacía poco tiempo que me había conseguido “The audience’s listening” el cual leí en una revista virtual Dazed & Confused. Es un disco totalmente ecléctico, raro y con un setlist muy particular de canción en canción, es como si te contaran un cuento de niños tipo surreal y al final no entiendes nada, pero te queda una sensación extraña o ambigua, pero interesante al mismo tiempo. Se supone que Cut Chemist hace hip hop abstracto, bordeando entre el trip hop y la electrónica experimental de los últimos tiempos. Lucas MacFadden o actualmente conocido como Cut Chemist, era popular anteriormente en sus colaboraciones con la difunta banda de rap Jurassic 5, y es también uno de los mejores dj’s de vanguardia entre DJ Shadow o Unkle. A pesar que Lucas ha hecho rap durante años y se le ha identificado usualmente con éste género, en este disco trata de indagar nuevos sonidos, fusiona y mezcla géneros entre sí, tal es el caso nuevamente de “The Garden” en donde samplea una versión de Astrud Gilberto, impresionante y al mismo tiempo siniestra; O tal es el caso de “Metrorail Thru Space”, secuencias rápidas, frases estrepitosas y alocadas que crean una armonía electrizante. “(My First) Big break”, provocadora y robotizada, pareciera que fue creada en los años 60 y que fue remasterizada en el siglo 20, tras escuchar vociferar: the robots are coming!!, que más se asemeja a un flirteo entre Kraftwerk y alguna película de monstruos o robots invasores al planeta a blanco y negro. Pero no hay que olvidarnos de “Spat” la cual recrea una conversación telefónica a base de scratches. Y finalmente “Spoon” & “A peak in time” sin lugar a duda, logra que el disco tenga un climax brillante y un final estremecedor. Es innegable que DJ Shadow fue y es un gran soporte para Chemist en ubicarse en el terreno del hip hop/rap/experimental, habiéndose ellos creado “Hard Sell” álbum espectacular en donde los samplers y las mezclas se esparraman y erosionan a borbotones (Father Figure de George Michael o Try Again de Aaliyah). A pesar que The Litmus Test (2005) no llegó a tener suficientes ventas a diferencia de The audience’s listening, no ha dejado de oírse en diversas discotecas y bares underground. Este disco, sin pensarlo dos veces, se ha convertido en un mítico entre la librería, no lo pienses dos veces, descárgalo de una vez!

Datos claves

“Metrorail Thru Space” & “(My First) Big break” fueron utilizadas in the background acorde al tema para un desfile de Balenciaga en el 2008

"The Audience is Listening Theme Song" (la última pista de The Audience's Listening) se utilizó en un anuncio del iPod Nano de Apple 2 generación.

Peter Gabriel - So [1986]

2009-02-26T09:42:00.000-08:00

¿Alguien va a ir al concierto de Peter Gabriel? Fue el topic en mi facebook hace pocos días, que con una sutil iniciativa, trataba de indagar quién podría acompañarme al concierto, ya que muchos de los que conozco, a casi nadie le gusta el master ex Genesis que se impone en tocar por primera vez en Lima. Una de las razones por las que iría al concierto es, efectivamente, por el único disco que ha marcado hito a mediados de los ochentas y que, aunque no es mi época y porque en ese mismo año nací, es rescatable hablar un tanto de él. “So” salió a la venta a inicios del 86, tras el éxito primigenio de “Solsbury Hill” canción con la que se introduciría al mercado como solista y su posterior hit “Shock the monkey” hasta ahora recordado y bailado. Pero sería “Sledgehammer” canción que consagraría un éxito comercial y mundial, la cual se ubicaría por número uno durante semanas en las listas de Canadá, EE.UU. y Reino Unido. Además, cabe mencionar que el videoclip, es como un juego de niños, con letras lúdicas y expresión pop en todo sentido. Dirigido por Stephen R. Johnson, marcó importante legado visual en aquellos años, rompiendo esquemas en edición y post-producción, sirviendo como ejemplo para trabajos audiovisuales póstumos. “Don’t give up” sería la parte más leve y serena dentro de “So”, con la impecable colaboración de Kate Bush apoyando a que el álbum sea aún más digerible y en contraste a todo lo que había hecho Gabriel hasta ese entonces. “Red rain” & “Mercy street” flamantes canciones que equipara al álbum con el peculiar sonido de los ochentas, de tipo “hits radiales”, con las baterías y guitarras pronunciantes y resonantes, con un sonido digno de ser catalogado dentro de la crema innata de épocas otrora, las cuales vio a nacer a “So” y “Us”. En resumen, es un álbum compacto, que refleja ese ánimo dinámico y variado que tenía Gabriel de demostrarse tal cual es, con una energía muy individual, renovada, fuerte y resistente. Un disco básico para cualquier melómano ochentero. Después de leer esto, ¿alguien más se animaría a ir al concierto? Y eso que no he hablado de “Up” y eso será para otro texto.

Dato Clave: ¿Por qué el álbum se llama “So”?

Según el mismo Gabriel, el nombre de su primer disco en estudio (porque los anteriores simplemente era epónimos) no tiene ningún significado alguno; o con sus mismas palabras lo dice: “No significa nada, tan sólo quería formar una palabra con dos letras, ¡es todo!” según se publicó en una entrevista de la revista Smash Hits en el 86.